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Ganadora del Premio Talents de la pasada edición del D’A (Festival Internacional de Cinema D’Autor de Barcelona), Juana a los 12 propone un ambivalente acercamiento a la figura de la joven Juana (Rosario Shanly, hermana del director), que despierta a los sinsabores de la preadolescencia y a la decadencia de su mundo burgués. Ambivalente porque el director, Martin Shanly se las ingenia para construir una película que es al mismo tiempo distanciada y próxima a su personaje protagonista. La película adopta un punto de vista satírico en su descripción de las pequeñas miserias de la vida escolar (magnificadas ad absurdum por el desconcierto preadolescente), pero al mismo tiempo expresa una genuina preocupación y una indiscutible empatía hacia Juana. Con una cámara hiper-sensible a los movimientos de los personajes, Shanly captura la más pequeña variaciones en la neutra gestualidad de una Juana que parece la versión pija, moderna y argentina de la Mouchette de Bresson. MY

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Galardonada con la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1984, además de alzarse con el premio FIPRESCI de la crítica internacional, y el premio del jurado ecuménico, quizás sea la mejor película del cineasta alemán Wim Wenders. Protagonizada por una Natasha Kinski en plena forma como actriz, y con guión del novelista Sam Shepard, que fue quien sentó la base de esta historia que bebe del desarraigo propio del medio oeste norteamericano, y que engarza con esa larga tradición de obras que tienen en la carretera norteamericana, en el deambular sin fin, en la constante, e infructuosa, búsqueda de un hogar, un motivo central. Concebida como una suerte de western contemporáneo, con su propia y singular versión de duelo incluido, en la célebre escena del club de strip-tease, Paris Texas sigue siendo hoy una de las obras centrales del paso de la modernidad a la post-modernidad cinematográfica. Gonzalo de Pedro Amatria

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Estrenado en el Festival de Venecia de 2015, este documental-homenaje al director de Carrie, Los intocables de Eliot Ness, Mission Impossible o Atrapado por su pasado funciona como un testimonio de la amistad que une al mítico cineasta del Nuevo Hollywood con los autores del film, Noah Baumbach (Frances Ha) y Jake Palthrow. Una intimidad bien palpable en los 110 minutos de películas, en el que el dúo de “jóvenes” cineastas han condensado 13 horas de entrevistas en un extenso y apasionante monólogo de De Palma. De hecho, Baumbach y Palthrow no aparecen en escena, sino que permanecen detrás de la cámara mientras el director de Vestida para matar comenta con gracia e ironía los altos y bajos de su carrera, la herencia del cine de Alfred Hitchcock, sus problemas con Hollywood o sus trucos de puesta en escena (de sus míticas pantallas partidas a sus inolvidables planos secuencia). “Si te dedicas a dirigir películas, más te vale tener sentido del humor”, explicó De Palma en la rueda de prensa de presentación del documental en Venecia: “La reacción de la gente suele ser contraria a la que esperas, adoran las películas que te parecen menores y te odian cuando crees que has hecho una obra maestra”. Manu Yáñez

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En la opinión de este crítico, E Agora? Lembra-Me debe ser considerado un advenimiento fílmico inusual: una obra maestra surgida del encuentro entre una lucidez desbordada –la del cineasta portugués Joaquim Pinto– y una coyuntura desesperada, la lucha del propio Pinto contra el virus del SIDA y la hepatitis C. Una batalla filmada en la intimidad y reconvertida en una monumental reflexión sobre la Civilización y la Existencia; así, en mayúsculas. En términos comparativos, me permito la osadía de apuntar que estamos la redención fílmica de El árbol de la vida: allí donde Terrence Malick chocaba contra un cristianismo de libro, Pinto se libera de todos los dogmas, componiendo un maremágnum de filosofía, historia, sociología y sentimiento. He aquí una película sobre la historia de los virus y sobre el virus de la historia. Una película concebida con la ambición de aquel que aspira a desentrañar los grandes misterios de la vida; parida con la humildad de aquel que sabe que el amor es pura entrega; e iluminada con la discreta rotundidad de aquel que expresa su visión del mundo sin esconder nada, aferrado a sus grandes tesoros: su imponente dignidad y su (agónico) hilo de voz. Manu Yáñez

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Con su acceso exclusivo a la trastienda del Instituto de la Moda del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, el documental The First Monday in May convierte en retórica la pregunta que da sentido al film: ¿es la moda un arte? Para probarlo, Andrew Rossi (que demostró con Page One: Inside the New York Times su buen ojo para la disección de instituciones neoyorquinas) se centra en dos grandes eventos que dan forma a un complejo equilibrio entre creación e industria. Por un lado, asistimos al diseño y montaje de la exposición China: Through the Looking Glass (puro arte); por el otro, observamos la preparación de la Gala Met, la gran fiesta anual de la moda y del oropel que gastan unidos el mundo del Pop y Hollywood (todo glamour). Puede que este documental muestre más interés por su tema que por investigar la mejor manera de filmar en un museo; sin embargo, no cabe duda de que Rossi sabe capturar, de la mano de figuras como John Galiano, Wong Kar-wai y sobre todo Andrew Bolton (director del Instituto de la Moda), el embelesamiento que genera la cara artesanal de la moda y el circo que la envuelve. Manu Yáñez

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El cuarto largometraje de la directora neoyorquina Karyn Kusama es una macabra exposición del daño psicológico que sufren quienes permanecen en el luto, resistiéndose a hacer frente a la ausencia. El film, presentado en el festival tejano South by Southwest, transcurre en el lapso de una noche, concretamente durante una velada donde dos padres que perdieron a su hijo volverán a verse, por primera vez, después de dos años, en la misma casa donde sucedió el incidente. Existen distintas formas de lidiar con la tragedia, sin embargo ambas víctimas han optado por no hablar de lo ocurrido. En el caso del protagonista, Will (Logan Marshall-Green) intenta rehacer su vida con su nueva novia sin exponerse demasiado. Mientras que Eden (Tammy Blanchard) ha tomado otra vía escabrosa: la de unirse a una secta llamada ‘The Invitation’. El espectador no tarda en darse cuenta que el motivo de dicha cena, organizada por Edén y su nueva pareja, es convencer a los invitados para que se unan a esa comunidad, con la excusa de la conmemoración de la muerte del pequeño. Asimismo, el valor de la cinta radica en la capacidad de la autora para engañar al espectador, reservando la explosiva aparición del género hasta el final. Carlota Moseguí

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Tercer largometraje del elogiado guionista y director de Queen of Earth, Desmontando a Philip es el retrato del Philip Lewis Friedman al que alude el título (Jason Schwartzman), un escritor que acumula las peores miserias de un artista: egocéntrico, pretencioso, cínico, tenso, malhumorado. Un auténtico neurótico que se cree siempre mucho más de lo que es. Con su segunda novela recién publicada, este neoyorquino pretende mantener su “integridad”, sin venderse al mercado, al “sistema”. Poco dúctil para las convivencias, iremos conociendo las sucesivas crisis con sus novias (sobre todo con una fotógrafa interpretada por Elisabeth Moss). Sin embargo, su vida parece cambiar cuando un eminente y veterano autor llamado Ike Zimmerman (Jonathan Pryce) se manifiesta fan de su libro y lo invita a su residencia de verano para que salga de otro de sus habituales bloqueos creativos. La película funciona con bastante fluidez, es simpática en su exploración del mundillo intelectual de Manhattan y en varios pasajes resulta incluso ingeniosa y ocurrente, pero también es cierto que por momentos puede irritar en su exploración de los clichés literarios y en su presentación de un personaje a todas luces insoportable, arrogante y narcisista. Que el protagonista sea un ser insufrible, que casi nunca podamos empatizar con él, es la principal audacia del film, pero también su mayor flaqueza. Diego Batlle

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Desde que firmó su última obra, Encerrada (2010), John Carpenter parece más feliz centrado en su faceta de músico y compositor que como director de potenciales nuevas películas. Y esto, aunque es una pequeña gran lástima, nos obliga a saciarnos de la sed por su cine revisitando joyas de su filmografía como Golpe en la pequeña China, disponible en el catálogo de Netflix, una película que se presenta como un auténtico disparate, pero entiéndase esto no como vicio, sino más bien como virtud. Es un disparate delirante y delicioso, que te hace gozar, vibrar y volar muy alto con su sentido de la maravilla donde lo imaginable se hace posible, y lo posible, real. Siguiendo la mejor tradición de las peripecias descacharrantes de los 80, la película protagonizada por Kurt Russell transmite un divertimento sin parangón, no queriendo tomarse a sí misma nunca demasiado en serio, a riesgo de madurar y dejar de ser la más molona del barrio. Villanos de opereta –o de máquina recreativa–, brujería, tortas de kung fu, monstruos y un héroe tan duro de pelar como zafio y patán; todo ello mezclado y agitado en los subterráneos del Chinatown de San Francisco. No todos los aspectos de Golpe en la pequeña China han envejecido por igual. Si bien ciertos planteamientos harán arquear la ceja al espectador actual –esas damiselas en apuros– la película mantiene intacto su brindis por la aventura sin paliativos, y la lleva hasta el final. Carpenter se divierte haciendo el gamberro y el público lo hace con él. David San Juan Bayón

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Paul Vecchiali juega a dibujarse a sí mismo en la piel de un anciano burgués que, en el crepúsculo de su vida, sigue suspirando por su primer amor, una añorada Marguerite que interpreta Catherine Deneuve en una breve secuencia rodada en un solo plano. El Rodolphe de Vecchiali es un viejo nostálgico que escribe los capítulos de su vida con los nombres de las mujeres que alguna vez amó. Estas antiguas amantes lo irán visitando durante la película, dejando que Vecchiali elabore una serie de reflexiones más o menos profundas, más o menos sarcásticas, y siempre un poco teñidas de amargura. La puesta en escena es mínima, casi teatral, dejando todo el peso de la película a los diálogos entre el protagonista, sus novias, su hijo –interpretado por Pascal Cervo, colaborador habitual de Vecchiali– y una serie de personajes extravagantes –entre los que cabe destacar al de Mathieu Almaric– que se pasan por la apacible villa del francés para rendirle cuentas. También hay lugar para las secuencias oníricas, monólogos y algún número musical. Entre todas estas piezas, la obra en su conjunto adquiere un tono tan liviano y relajado como lo es la personalidad de su dandi protagonista. David San Juan Bayón

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Que James Gray es un apasionado del clasicismo no es ninguna novedad para aquellos que hayan visto varios de sus films. En Z. La ciudad perdida ese amor por el cine de aventuras, de exploradores y ciudades misteriosas está explotado a gran escala, en la que es su película más cara, ambiciosa y complicada, la historia de un oficial del ejército británico que fue enviado al Amazonas a principios de siglo XX y se topó allí con algo mucho más sorprendente de lo que se esperaba. La película evita caer en el romance de lo “políticamente correcto” que afectó a muchas de similar temática en los ’80. Gray no busca hacer aquí su versión de Bailando con lobos; si se quiere elegir una película con algún elemento similar, se podría pensar en La costa de los mosquitos mezclada con un poco de Master and Commander: Al otro lado del mundo, de otro amante de la aventura cinematográfica clásica como es Peter Weir. A la postre, Gray narra esta historia con la calma y el tempo de un film de los años ’50 y la lógica dramática de las novelas de aventuras del siglo XIX de Rudyard Kipling. Diego Lerer

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