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Semana del 17 al 23 de octubre

Hijos de los hombres (Alfonso Cuarón, 2006) – MOVISTAR+

Hijos de los hombres (Alfonso Cuarón, 2006) – MOVISTAR+

En un futuro distópico en el que la raza humana se ha vuelto estéril y el terrorismo está en el orden del día, Theo (Clive Owen) se ve envuelto en una trama hacia lo que parece ser la última esperanza para la humanidad. Lo más estremecedor del retrato de este hipotético futuro es que es mucho más cercano de lo que podríamos pensar, tanto por fechas (se sitúa en un atrevidamente inminente 2027) como por contenido, esas hordas de inmigrantes ilegales, desesperados por acceder a suelo británico. Aunque se presenta de forma caótica y sucia, la mirada del ya célebre Emmanuel Lubezki, habitual de los films de Alfonso Cuarón (y de Alejandro González Iñárritu) lo ordena todo visualmente con su increíble trabajo de fotografía. Alfonso Cuarón, que se llevó dos premios en Venecia 2006 por este film (un Osella de Oro a Mejor Contribución Técnica y el Premio Lanterna Magica), volvió al certamen italiano con su último trabajo, Roma, la historia de una joven empleada doméstica en Roma, un barrio de clase media en Ciudad de México, que le valió el León de Oro de este año. Júlia Gaitano

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El rayo verde (Éric Rohmer, 1986) – FILMIN

El rayo verde (Éric Rohmer, 1986) – FILMIN

En la novela de Jules Verne El rayo verde, sus protagonistas buscan el momento preciso en que dicho rayo se pueda ver en el horizonte, pues se cree que quienes presencian a la vez el raro fenómeno quedarán enamorados al instante. Éric Rohmer toma esta romántica referencia y la traslada al quinto film de su serie Comedias y Proverbios, en esta ocasión basado en un proverbio de Rimbaud: “Ah! que le temps vienne où les cœurs s’éprennent” (Ah, que llegue el momento en que los corazones se enamoran). Delphine (Marie Rivière, habitual colaboradora de Rohmer) sin duda suspira lo mismo que Rimbaud, mientras ve como todas sus amigas tienen pareja o grupos de amigos con los que irse de vacaciones. Ella, habiendo roto recientemente con su novio, se encuentra más sola que nunca e incapaz de entablar nuevas relaciones. Como Verne a sus atolondrados personajes de su novela, Rohmer obligará a Delphine a deambular aquejosamente en búsqueda de compañía en esta película que se llevó el León de Oro a la Mejor Película en el Festival de Venecia de 1986. Júlia Gaitano

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La forma del agua (Guillermo Del Toro, 2017) – MOVISTAR+

La forma del agua (Guillermo Del Toro, 2017) – MOVISTAR+

La última cinta de Guillermo Del Toro, uno de los nombres propios más relevantes del fantástico de autor actual, se hizo con los Oscar a Mejor Película y Mejor Director, por destacar los más importantes, aunque también se llevó el de Mejor Banda Sonora, para Alexandre Desplat, y Mejor Diseño de Producción. Venecia 2017, donde fue estrenada, vaticinó los galardones al otorgarle el León de Oro ese año. Del Toro dirige una fábula particular, sorprendentemente carnal, realista. La protagoniza una magistral Sally Hawkins, en el papel de heroína muda de enorme corazón que tratará de salvar un ser acuático de un laboratorio de alta seguridad donde trabaja de limpiadora, junto a notables secundarios (Richard Jenkins y Octavia Spencer) y un temible (y algo caricaturesco) Michael Shannon en el papel antagonista. La sensibilidad fantástica de Guillermo Del Toro desborda en el diseño del ser acuático, que le acarreó problemas por su parecido con la caracterización del monstruo de la laguna negra (del film de 1954 de Jack Arnold), si bien remite mucho más pertinentemente a una versión primitiva de ese Abe Sapien de los Hellboy del propio Del Toro. La forma del agua, por su parte, y como toda buena fábula, contiene una enseñanza de fondo, que en este caso tiene que ver con la compasión, la comprensión y la tolerancia. Júlia Gaitano

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A la caza (William Friedkin, 1980) – FILMIN, FILMSTRUCK

A la caza (William Friedkin, 1980) – FILMIN, FILMSTRUCK

Enormemente polémica desde la fecha de su estreno, “A la caza” es la novena película del reconocido director William Friedkin (The French Connection, El exorcista), que la tituló en el inglés original como “Cruising”, esa práctica sexual, en el contexto queer, de buscar y mantener relaciones en lugares públicos, de forma anónima y ocasional. Sin embargo, el propio título juega a la ambigüedad pues puede significar, a su vez, el hecho de patrullar las calles, que es en efecto lo que hace el detective Steve Burns (Al Pacino), infiltrado en la comunidad gay neoyorquina para investigar unos brutales y sórdidos asesinatos que afectan a habituales de esos ambientes. Durante el desarrollo del caso, Burns descubrirá aspectos de sí mismo que ignoraba y lo que parecía una simple investigación policial evolucionará en un estudio sobre “la fluidez de la sexualidad humana, y como tales actitudes culturales rígidas hacia la sexualidad pueden crear conflicto entre los individuos y la sociedad”, tal como comenta el crítico Stephen Applebaum (Independent) en una revisión reciente del film. A la caza merece una revisión desde una perspectiva contemporánea, más allá de la polémica que la ha acompañado durante décadas. Júlia Gaitano

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La ciudad de las estrellas (La La Land) (Damien Chazelle, 2016) – NETFLIX

La ciudad de las estrellas (La La Land) (Damien Chazelle, 2016) – NETFLIX

La La Land recibe al espectador con un par de explosivos números musicales que devolverían la fe en la magia de Hollywood y Broadway al más cínico de los misántropos. Una efervescencia que debe tanto a la espectacularidad de la fantasía musical como al empleo de unas herramientas formales que solemos asociar a las formas del realismo. Solos ante el peligro, guiados por el virtuosismo escénico de su director, Emma Stone y Ryan Gosling dan lo mejor de sí mismos. La combinación actoral resulta perfecta. Stone, contemporánea, conecta la película a una cierta esencia urbana. Gosling, clásico, alimenta la nostalgia de una película que da carpetazo a la posmodernidad (¡adiós, Moulin Rouge!) para reencontrarse con ese tipo de musical “democrático” que encarnó como nadie Gene Kelly: una película protagonizada por gente común que invita a bailar, amar y soñar. Chazelle repite con Gosling en su último film, que se ha podido ver esta edición de la Mostra, y que narra la historia del astronauta Neil Armstrong. Mientras esperamos el estreno de First Man, podemos disfrutar de otro cielo estrellado, el del planetario de La La Land, en el que los personajes bailan desde un filtro de fantasía que sólo la música puede justificar. Manu Yañez

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Mujeres al borde de un ataque de nervios (Pedro Almodóvar, 1988) – NETFLIX

Mujeres al borde de un ataque de nervios (Pedro Almodóvar, 1988) – NETFLIX

Esta obra cumbre en la filmografía de Pedro Almodóvar es una comedia visceral sobre los sentimientos que surgen tras una ruptura no-deseada. Transcurrida en poco más de veinticuatro horas, Mujeres al borde de un ataque de nervios mide la paciencia de una mujer despechada (Carmen Maura), que aguarda la llegada de su expareja (Fernando Guillén) en su apartamento. Durante ese lapso temporal asistimos a sus cambios de humor, tan hilarantes como repentinos, que oscilan entre la extrema sumisión y urdir una vendetta mortífera, a base de gazpacho con somníferos. Poco a poco, la historia de desamor entre ambos actores de doblaje quedará relegada al introducir elementos de la iconografía barroca del autor. Asimismo, la inexplicable aparición de personajes variopintos en el ático de Carmen Maura convierte la amarga espera de la protagonista en un delirio inverosímil, puramente almodovariano. Manu Yáñez

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El universo de Jacques Demy (Agnès Varda, 1995) – FILMSTRUCK

El universo de Jacques Demy (Agnès Varda, 1995) – FILMSTRUCK

El 27 de octubre del año 1990 fallecía el cineasta francés Jacques Demy, a los 59 años. En 1995, su viuda, Agnès Varda, le dedicaba esta pieza homenaje a toda su trayectoria, una carta de amor póstuma. Varda ya había realizado un tierno documental en 1991, Jacquot de Nantes, con el que celebraba y exploraba la infancia y ambiciones primerizas del que fue su marido durante 28 años. El universo de Jacques Demy se centra en la carrera cinematográfica de Demy, reuniendo caras conocidas de la escena cinematográfica francesa y, puntualmente, internacional (ese Harrison Ford que estuvo a punto de protagonizar su debut estadounidense), para mostrar la pequeña e insólita maravilla que es la obra del realizador francés, director de clásicos imperecederos del musical como Los paraguas de Cherburgo o Las señoritas de Rochefort. Entre estas personalidades destacan el gran compositor Michel Legrand, con quien Demy compartió gran parte de su trayectoria, o sus musas Anouk Aimée y, particularmente, Catherine Deneuve. Agnès Varda redacta esta personal misiva a partir de un collage de coloridas imágenes de los films de su marido, la emotiva música que hay en ellos y las afectuosas palabras de todos los que lo conocieron. Júlia Gaitano

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Eden: Lost in music (Mia Hansen-Løve, 2014) – FILMIN

Eden: Lost in music (Mia Hansen-Løve, 2014) – FILMIN

El cuarto largometraje de la joven realizadora parisina Mia Hansen-Løve es, sin lugar a dudas, su proyecto más ambicioso: sus extensas dos horas de metraje sintetizan la esencia de toda una época que marcó el devenir de la música electrónica. El nuevo film de la directora de El padre de mis hijos está íntegramente basado en la carrera profesional de su hermano, Sven Hansen-Løve: un reputado dj de house garaje que presenció el éxito que tuvieron sus amigos Guy-Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter (mundialmente conocidos como Daft-Punk). En un ratio de veinte años (desde 1993 hasta 2013), Eden presenta el auge y caída del alter ego del artista francés -interpretado por el actor que debutó en Después de mayo, Félix de Givry-, así como sus intermitentes problemas sentimentales, económicos y de drogodependencia. La espléndida banda sonora del film con los grandes hitos del garaje, junto con las apariciones estelares de secundarios como Vincent Macaigne o Greta Gerwig, convierten Eden en un nostálgico e inolvidable viaje por la cultura de club. Carlota Moseguí

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Lucky (John Carrol Lynch, 2017) – FILMIN

Lucky (John Carrol Lynch, 2017) – FILMIN

Lucky, la ópera prima como director del actor John Carrol Lynch -el marido de Frances McDormand en Fargo o el posible psicópata de Zodiac-, aborda con sorprendente frontalidad, y al mismo tiempo con pudor, el peso de la vejez y la inexorabilidad de la muerte, temas espinosos que se despliegan a través del cuerpo enjuto y la personalidad encantadora de Harry Dean Stanton. Construida como un vehículo para la observación del carisma del mítico actor, la película no duda en exprimir todo el imaginario que le rodea, desde sus icónicos paseos desérticos en París, Texas hasta la sublimación de la bondad y la ternura que encarnó en el regreso de Twin Peaks. Aquí, Stanton interpreta a un antiguo miembro de la Armada norteamericana que habita plácidamente en el árido oeste. El retrato amable, aunque un tanto pintoresco, de la rutina del personaje se verá truncado por un desmayo que despertará a Lucky del sueño de la inmortalidad. La película es una lección de maximización del minimalismo actoral: de los andares quebradizamente marciales a los gestos desdeñosos que ocultan bocanadas de afecto, Stanton deviene un volcán expresivo de asordinada erupción. Manu Yáñez

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¿Qué fue de Baby Jane? (Robert Aldrich, 1962) – FILMSTRUCK

¿Qué fue de Baby Jane? (Robert Aldrich, 1962) – FILMSTRUCK

Por si no fuera suficiente con toda la leyenda alrededor de su rodaje, hace unos meses la serie de televisión Feud convertía definitivamente ¿Qué fue de Baby Jane? en una película de culto para las nuevas generaciones: existen pocos ejemplos tan descarnados de una cinta en cuyo interior residan las huellas de un fuera de campo tan tormentoso. Tal vez Bette Davis y Joan Crawford se odiaran o tal vez no, pero en cualquier caso sus personajes lo hacen, y Aldrich supo sacar todo el partido de esa posible situación imposible. Si hablamos en términos estrictamente cinematográficos, nos encontramos ante una película que inauguró la moda de un cierto horror gótico y que lo hizo con tanto de melodrama como de terror. ¿Qué fue de Baby Jane? no es una obra maestra pero, ya desde ese prólogo interminablemente alargado, sí tiene el saber de las obras maravillosamente imperfectas donde de algún modo la puesta en escena queda superada por el propio escenario. Endika Rey

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