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El autoestopista (The Hitch-Hiker) es una película extraña, visualmente repleta de hallazgos y arriesgada en su planteamiento. Puede que fuera una de las primeras veces en las que en una película de género negro emergiera la figura del psicópata con un papel tan protagonista, en este caso en la figura de un violento autoestopista que persigue a los dos protagonistas. El film lleva la firma de Ida Lupino, que primero fue estrella de Hollywood delante de las cámaras y luego decidió situarse detrás y fundar junto a su marido una productora (Fimways), con la que comenzó a sacar adelante proyectos de bajo presupuesto. Con El autoestopista, la directora (“la Don Siegel de los pobres”, como a ella le gustaba definirse) consiguió su mejor película, y un ejemplo de cómo el bajo presupuesto se puede compensar con el talento a la hora de contar una historia. Fernando Bernal

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Barbara es el retrato de una diva. Lo que ya no resulta tan evidente es qué diva de las que aparecen en la película interesa más a su director, Mathieu Amalric. Los créditos iniciales unen e igualan en importancia los nombres de la chanteuse de la que se pretende hacer un biopic y de Jeanne Balibar, la actriz que debe interpretarla, y que desaparecerá (aparentemente) en las máscaras de la ficción: por un lado, Brigitte, una actriz contratada para interpretar a la autora de L’aigle noir, y por el otro, claro, Barbara, icónico nombre con el que se inmortalizó a Monique Serf (1930-1997), poeta de voz nocturna y figura espigada que forma parte del panteón de la chanson francesa. Barbara no pretende contarnos la historia de una vida, sino la de una voz. O, mejor dicho, dos voces. Porque si bien los archivos gráficos permiten que la Barbara real irrumpa (e interrumpa) en el filme con toda su majestad, Barbara también documenta el aura de Balibar, su capacidad para resultar vampírica sin caer en lo literal. Y, sobre todo, deja constancia de su crecimiento como cantante. Si Pedro Costa filmó en Ne change rien su exasperante entrenamiento vocal, Amalric le da la oportunidad de graduarse, dando la réplica y midiéndose con una verdadera fuerza artística de la naturaleza. Gerard Casau

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Basada en la novela de mismo nombre de Jon Krakauer, Hacia rutas salvajes narra la historia verídica de Christopher McCandless, un joven senderista norteamericano que abandonó su vida en sociedad para integrarse en la naturaleza y vivir simplemente, de forma nómada. Se trata de la quinta incursión del actor Sean Penn en la dirección, con Émile Hirsch (Speed Racer, Alpha Dog) encabezando su reparto como McCandless, y contando con destacables compañeros, como William Hurt, Marcia Gay Harden o Hal Holbrook, que fue nominado como Mejor Actor de Reparto en los Oscars de 2008. Penn realiza una especie de bergfilm americanizado, con impresionantes telones de fondo como cañones, ríos y bosques típicos de la geografía de Alaska. Allí, el protagonista se convierte en una suerte de “caminante sobre el mar de nubes” de Friedrich, en un intento de retorno a la sensibilidad de los románticos, fundiéndose con su entorno, el hombre, solo, y la inmensidad natural que le rodea. Júlia Gaitano

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Democrática en su título y en su espíritu, Todos queremos algo es una película oligárquica en su demografía, y casi dictatorial en su visión de la post-adolescencia (yanqui) como una exultante fiesta sin fin. A lo largo de los años, el cine de Richard Linklater se ha caracterizado por albergar en su interior una plétora de voces que han conformado el retrato expansivo de la “otra América”, como es el caso de Movida del 76, de la que este film es una suerte de secuela espiritual y al mismo tiempo una antítesis conceptual. Y es que todo lo que tenía la primera de retrato insurrecto y polifónico de la adolescencia –una meditación de lo que significa nadar a contracorriente–, Todos queremos algo lo tiene de asalto ratificador y monolítico sobre una juventud liberada –una celebración de lo que significa navegar con el viento a favor, que retumba como un redoble autoral–. Un aullido de libertad acorazado por el cine de género y propulsado por un inquebrantable humanismo. Una oda a los buenos tiempos pasados y por venir. Manu Yáñez

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Cuando Joel Barish se entera que su exnovia, Clementine, ha contratado un servicio de borrado de memoria para eliminar de su mente cualquier trazo de su relación, él mismo se someterá al mismo proceso por despecho, deseante de olvidar todos sus recuerdos en común. El extravagante Michel Gondry, autor de films como Human Nature o La ciencia del sueño, se encarga de dirigir este onírico drama romántico de tintes surrealistas. En el papel protagonista, un especialmente comedido Jim Carrey saca a relucir su menos conocida faceta dramática (Man on the Moon, El show de Truman (Una vida en directo)), contrapuesta al carisma de Clementine, una Kate Winslet de color de pelo cambiante. La no-linealidad del mundo de los sueños y los recuerdos tiñe el transcurso de la película, que se estructura asimismo como una especie de anti-romance, una oda al desamor y la fatalidad que se encuentran en el reverso de la narrativa acostumbrada de historias de amor. Charlie Kaufman, habitual colaborador del cineasta francés y director, a su vez, de hitos del cine de culto como Adaptation o Cómo ser John Malkovich, se hizo con el Premio Óscar a Mejor Guión Original. Júlia Gaitano

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Sin importar el tiempo que pase, hay ficciones que seguirán encontrando su camino para ser representadas y reinterpretadas una y otra vez. En el caso de la historia de la vulgar y sufrida Jane Eyre, más de 150 años separan el texto original de Charlotte Brönte y esta versión cinematográfica del estadounidense Cary Joji Fukunaga, la más reciente de la decena que existen. El cineasta aporta un toque elegante, detallista y de corte clásico a la epopeya de la joven del título, que se contrapone al tono más impetuoso de conocidas adaptaciones como la de Robert Stevenson (con Joan Fontaine y Orson Welles) o la de Franco Zefirelli (con Charlotte Gainsbourg y William Hurt). La escogida por Fukunaga para encarnar a la protagonista es Mia Wasikowska, de delicadas maneras y penetrante mirada, que comparte romance con el tosco señor Rochester, perfectamente reflejado en la áspera expresión de Michael Fassbender. Jamie Bell, Judi Dench, Sally Hawkins o Simon McBurney, completan el plantel de actores. Júlia Gaitano

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En 1994, Tsai Ming Liang presentaba “Viva el amor” en el Festival de Venecia, certamen en el cual se hacía con el León de Oro (ex-aequo con “Antes de la lluvia” del macedonio Milcho Manchevski). Casi dos décadas más tarde, el cineasta taiwanés de origen malayo volvía a ser galardonado en la Biennale, en esta ocasión con el Gran Premio del Jurado por este hipnótico film: Stray dogs. Tal como indica el propio título (perros callejeros), la película se centra en un grupo de personajes errantes, precarios, que ocupan lugar en Taipei, una ciudad que parece no tener sitio para ellos. El director de Good Bye, Dragon Inn convierte a sus personajes – un hombre y sus dos hijos, y una mujer que se les une más adelante – en parte del sucio paisaje urbano, como si de mero mobiliario se tratara, pero los eleva a través de una mirada poética, asentada en una epatante fotografía y un tempo acordemente lento. Así, la pobreza que lleva a transitar a los protagonistas por abarrotados supermercados, playas desiertas y edificios demolidos se demuestra capaz de producir bellísimas imágenes, como esos últimos planos que enmarcan unos abatidos rostros que contienen luz. Júlia Gaitano

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“No importa lo que te digan, siempre estamos solas”, le dice la señora de la casa, Sofía (Marina de Tavira) a su empleada doméstica, Cleo (Yalitza Aparicio). Aunque se refiere, con razón, al estado de cualquier mujer en el panorama mexicano, la frase parece ajustarse especialmente a la figura de la joven sirvienta indígena. Roma se construye alrededor de la memoria de Alfonso Cuarón (Hijos de los hombres), su infancia en ese barrio de Ciudad de México, en el seno de una familia de clase media, y concretamente en su Cleo particular. El mexicano evoca imágenes familiares para construir la historia de esta muchacha, constantemente basculando entre el tono de drama intimista y el enfoque grandilocuente de las más imponentes epopeyas. Roma toma forma, así, de sincero y sentido homenaje por parte del director que, en un proyecto que se siente tan suyo, no ha querido perder la oportunidad de ejercer a su vez de productor, editor y cinematógrafo, sustituyendo a su habitual colaborador Emmanuel Lubezki. En esta última faceta, Cuarón destaca por sus virtuosos movimientos de cámara, en palabras del historiador y crítico mexicano Jorge Ayala Blanco: “eternos travellings de ida y vuelta o de vuelta y media que comienzan acariciantes y cada vez se exasperan más hasta convocar una trágica serie de irremediables desgracias creadas sólo por y para la cámara”. Júlia Gaitano

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Solamente un año más tarde del fin de la Segunda Guerra Mundial, el director de origen suizo-alemán William Wyler dedicaba este film a reflexionar sobre los efectos de esta a partir del retorno de los soldados a sus hogares. Wyler toma, valientemente, algo tan delicado como es el sentimiento patriótico norteamericano – especialmente si tenemos en cuenta el contexto en el cual se enmarca la película -, y muestra su cara menos amable: la de los hombres que arriesgan su vida, su salud, su bienestar, y por extensión, la de sus seres queridos, por esos ideales. Los mejores años de nuestra vida se centra en las dificultades de tres veteranos para adaptarse de vuelta a su vida cotidiana: el sargento Al Stephenson (Fredric March), alienado de su mujer e hija (Myrna Loy y Teresa Wright), el capitán Fred Derry (Dana Andrews), que retorna a un infeliz matrimonio con Marie (Virginia Mayo), y Homer Parrish, que tras sufrir una terrible lesión ha perdido las dos manos. Wyler ahonda más allá de la figura del héroe y sus medallas, para mostrar al hombre herido que se esconde tras ellas. El film generó un gran impacto en su época, siendo multipremiada en distintos certámenes, desde los Premios de la Academia (de los cuales se llevó todos los principales), hasta en los Globos de Oro o los BAFTA, y se mantiene a día de hoy como una de las más destacables miradas al sujeto de la guerra y sus secuelas. Júlia Gaitano

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La cumbre escarlata es la declaración de amor con claro conocimiento de causa de Del Toro a la narrativa gótica del s. XIX, época en la que se sitúa su film. Mia Wasikowska es Edith Cushing, una joven heredera norteamericana, de piel marmórea y especial sensibilidad sobrenatural, visitada desde niña por el espectro de su fallecida madre. Cuando conozca a Sir Thomas Sharpe (encantador y atormentado Tom Hiddleston), se convertirá en su mujer y se trasladará hasta Inglaterra, para vivir con él y su taciturna hermana Lucille (Jessica Chastain) en Allerdale Hall, la gran mansión familiar de los Sharpe. La destartalada casa, como toda buena morada de historia gótica de terror, ha ido acumulando una horda de espectros a lo largo de su vida, que la joven estadounidense empezará a percibir desde el momento en que ponga un pie en ella. No es extraño que un gran amante del terror y el fantástico como es el director mexicano (Cronos, El laberinto del fauno) genere en sus cintas una profusión de potentísimas ideas visuales, y La cumbre escarlata no es una excepción, con geniales detalles como que los fantasmas aparezcan cubiertos de un rojizo velo ectoplásmico o que la casa supure arcilla color sangre a ríos. Júlia Gaitano

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