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Este grupo de alumnos del Master de Documental creativo de la Universidad Autónoma de Barcelona tuvo la misma idea que tantos otros: seguir con sus cámaras el proceso de conversión de un movimiento social y vecinal, liderado por Ada Colau, en un partido político, capaz de disputar la alcaldía a los poderes endémicos. El incipiente partido, que ya tenía a dos equipos filmando ese proceso, de los que terminarían por nacer dos largometrajes documentales, rechazó la propuesta de los alumnos, que en lugar de darse por vencidos, decidieron extender su mirada a la trastienda del circo electoral, entendido como espectáculo, construcción, puesta en escena y teatralización de lo público. Asumiendo de forma increíblemente madura el legado del cine observacional, pero superándolo para tomar partido de forma abiertamente crítica, y muy humorística, la película logra extraer lo que tiene de circo, de espectáculo, construcción y falsedad, cualquier campaña política. En un año plagado de películas “políticas”, muchas de ellas abiertamente partidistas, escasamente reflexivas, y generalmente acríticas, este trabajo de escuela, rodado de forma colectiva, es una muestra práctica de trabajo comunitario. Un equilibrio perfecto entre la mirada neutra, la implicación, y la crítica. Gonzalo de Pedro Amatria

Ver Campaña en la web del Master en Teoría y Práctica del Documental Creativo de la UAB

Sustituyendo la lucha de clases de la extraordinaria Snowpiercer por una batalla ideológica contra la mezquindad de las grandes corporaciones y la cultura del narcisismo, Bong Joon-ho se estrena en el imperio Netflix con Okja, una monster movie que recupera de la memorable The Host el mensaje ecologista/animalista filtrándolo a través de la emotividad a flor de piel del cine de Steven Spielberg. Que nadie se asuste, no estamos ante un remake encubierto de Liberad a Willy, aunque cabe reconocer la sorpresa que provocan unos pasajes de descarada melosidad en la obra de un autor tan ácido como Bong. Un cierto sentimentalismo que responde, en todo caso, a la lógica de un relato que utiliza como pilar narrativo el vínculo de amistad/fraternidad entre una niña huérfana criada en las montañas de Cores del Sur y un Super-Cerdo gigante parido en el laboratorio de una gran compañía agroquímica (un cruce imposible entre el Baloo de El libro de la selva, una criatura mágica del universo Ghibli y un teletubbie). Manu Yáñez

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Estrenado en el Festival de Venecia de 2015, este documental-homenaje al director de Carrie, Los intocables de Eliot Ness, Mission Impossible o Atrapado por su pasado funciona como un testimonio de la amistad que une al mítico cineasta del Nuevo Hollywood con los autores del film, Noah Baumbach (Frances Ha) y Jake Palthrow. Una intimidad bien palpable en los 110 minutos de películas, en el que el dúo de “jóvenes” cineastas han condensado 13 horas de entrevistas en un extenso y apasionante monólogo de De Palma. De hecho, Baumbach y Palthrow no aparecen en escena, sino que permanecen detrás de la cámara mientras el director de Vestida para matar comenta con gracia e ironía los altos y bajos de su carrera, la herencia del cine de Alfred Hitchcock, sus problemas con Hollywood o sus trucos de puesta en escena (de sus míticas pantallas partidas a sus inolvidables planos secuencia). “Si te dedicas a dirigir películas, más te vale tener sentido del humor”, explicó De Palma en la rueda de prensa de presentación del documental en Venecia: “La reacción de la gente suele ser contraria a la que esperas, adoran las películas que te parecen menores y te odian cuando crees que has hecho una obra maestra”. Manu Yáñez

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Los años noventa fueron especialmente prolíficos en lo que se refiere al thriller e incluso se puede afirmar que fue una década que vio nacer un subgénero propio: el sexythriller. La apropiación de elementos del cine negro de la mano de Paul Verhoeven en Instinto básico daría pie a una serie de películas derivadas donde el sexo, el asesinato y los giros sorprendentes iban siempre la mano. Si el holandés inauguraba de algún modo un género, se puede decir que Juegos salvajes es en cierto sentido su defunción: resulta difícil ofrecer más de lo que la película de John McNaughton brinda dentro de esos nuevos parámetros marcados. Hablamos de un relato caleidoscópico donde nunca nadie es quién dice ser y donde la narración se rompe cada poco para ofrecer una nueva visión de los acontecimientos de una manera tan delirante como fascinante. Eso, sumado a un gran sentido del humor, a un escenario sudoroso magníficamente aprovechado, a un hilarante fuera de campo en los títulos de crédito y a una serie de secuencias sexuales más cercanas a la parodia que al cine erótico, hacen de Juegos salvajes un divertimento donde la distancia irónica la marca la propia dirección. Netflix se suma al verano y rescata la cinta esta semana en su plataforma. Endika Rey

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El western, género cuya presunta muerte se ha convertido en un lugar común, sigue reviviendo a golpe de obras como una de las últimas en llegar a Filmin, Comanchería de David Mackenzie. Hell or High Water (título original derivado de una expresión coloquial que podría traducirse como “por las buenas o por las malas”) es una actualización de esas historias de antihéroes que se enfrentan a una fuerza superior dispuesta a aniquilar su modo de vida. El villano de esta función no es otro que el banco que amenaza con desahuciar a los hermanos Howard (Chris Pine y Ben Foster), y estos, en una pirueta de justicia poética, comienzan a robar pequeñas sucursales con el objeto de salvar su granja familiar. Los protagonistas, bandidos con corazón de indignados, son perseguidos por un incombustible Jeff Bridges, que da vida a ese obstinado y reaccionario sheriff al borde de la jubilación que no concibe descansar hasta darles caza. El mundo de Comanchería es tan árido como sus paisajes, cuya aspereza penetra en los rictus de los que yerran por sus carreteras de polvo y muerte. A ello contribuye en buena parte la banda sonora compuesta por el dúo de músicos australianos Nick Cave y Warren Ellis, que potencia ese tono melancólico al que la película se esfuerza en trasladarnos. Y lo consigue. David San Juan Bayón

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El término Novo Cinema Galego, antes que un corpus de obras y autores –más bien dispares entre sí–, supone una llamada a la consciencia y reconocimiento mutuo de sus integrantes, y el anuncio de una nueva arqueología del imaginario audiovisual del país. El Catálogo de Filmin ofrece la posibilidad de visitar algunas de las propuestas más estimulantes de esta corriente, siendo una de las más notables la película Arraianos de Eloy Enciso (2012). Arraianos nos invita a adentrarnos en el espacio físico e imaginado de la raia seca, en el límite entre Galicia y Portugal que antiguamente formaba un Couto Mixto independiente de los reinos peninsulares. El mundo de Arraianos está atravesado por fronteras permeables donde conviven lo real y lo fantástico, lo cotidiano y lo extraordinario, el ideal y el pragmatismo, la ficción y el documental, la etnografía y el intimismo. Es este un cine valiente que se descubre a si mismo en el proceso de rodaje y edición, una experiencia única en tanto que es imposible de prever y repetir. Más allá de los códigos narrativos convencionales y lineales, Arraianos encuentra su lenguaje propio a través de las imágenes y los sonidos, pintando un fresco de las gentes y la orografía de una tierra viva que cuenta sus leyendas a quienes saben escuchar. David San Juan Bayón

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Antes de firmar una obra consagratoria como lo fue Laurence Anyways, Xavier Dolan llamó la atención del mundo cinematográfico con sus dos primeras películas Yo maté a mi madre y Los amores imaginarios, ambas seleccionadas en sendas ediciones del Festival de Cannes cuando Dolan apenas contaba con 21 años. Este mes los catálogos de Mubi y Filmin nos ofrecen la posibilidad de visitar la segunda, una sugerente obra de transición en la que el autor francocanadiense dispone algunos de los temas y lugares definitorios de su filmografía. Los amores imaginarios nos cuenta la historia de Marie y Francis, dos amigos postadolescentes que se enamoran a la vez del mismo chico. En esta revisión pop de Jules y Jim, la estética juguetona y musical es una máscara tras la cual se oculta la amargura interna de sus desvelados protagonistas. La persecución suicida de un amor catárquico y redentor los convierte en seres que nos resultan empáticos, y aunque parezcan esforzarse por lo contrario, la serie de triquiñuelas y padecimientos a los que asiste el espectador hacen que cualquiera puede verse reflejado en sus miserias. La búsqueda de sentido en el mundo contemporáneo no puede evitar impregnarse del nihilismo chic que sobrevuela toda la obra, y a la vez, la mordacidad de estos jóvenes sólo es un parapeto en el que esconder la tierna angustia que implica la carencia de expectativas a los veintitantos. David San Juan Bayón

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Todos aquellos que descubrieron el genio del humorista japonés Hitoshi Matsumoto con Dainipponjin, hilarante y surrealista mockumentary sobre un superhéroe en horas bajas, no pueden faltar a la cita con Símbolo. La película transcurre en dos universos paralelos. En uno de ellos, el hijo pequeño de un infame practicante de lucha libre mexicana acude a ver a su padre combatir. Un segmento que parece arrancado de una película de Alejandro G. Iñárritu pasada por un estimulante filtro lisérgico. Mientras, en la otra dimensión, un hombre vestido con un colorista pijama de topos despierta en una inmensa y sellada habitación de paredes blancas. Podría tratarse de una tétrica fábula kafkiana; sin embargo, la película toma rápidamente el camino de la comedia surrealista de ciencia ficción. De hecho, la odisea del protagonista, interpretado por el propio Matsumoto, no dista demasiado de la que atraviesa el Dave Bowman de 2001: Una odisea del espacio en la resolución del filme de Kubrick, aunque la aproximación del japonés tiene tanto de meditación existencial como de monumental farsa. Entre el humor deadpan a la Buster Keaton y la mueca histérica de un cómic manga, Matsumoto encarna a un personaje arrastrado, primero, a una feroz angustia existencialista, y luego a un tortuoso camino de ascensión. Una joya excéntrica recomendada para los nostálgicos del Humor amarillo y las aventuras gráficas, así como para los interesados en el psicoanálisis o en la cara sufriente del cristianismo. Manu Yáñez

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En la opinión de este crítico, E Agora? Lembra-Me debe ser considerado un advenimiento fílmico inusual: una obra maestra surgida del encuentro entre una lucidez desbordada –la del cineasta portugués Joaquim Pinto– y una coyuntura desesperada, la lucha del propio Pinto contra el virus del SIDA y la hepatitis C. Una batalla filmada en la intimidad y reconvertida en una monumental reflexión sobre la Civilización y la Existencia; así, en mayúsculas. En términos comparativos, me permito la osadía de apuntar que estamos la redención fílmica de El árbol de la vida: allí donde Terrence Malick chocaba contra un cristianismo de libro, Pinto se libera de todos los dogmas, componiendo un maremágnum de filosofía, historia, sociología y sentimiento. He aquí una película sobre la historia de los virus y sobre el virus de la historia. Una película concebida con la ambición de aquel que aspira a desentrañar los grandes misterios de la vida; parida con la humildad de aquel que sabe que el amor es pura entrega; e iluminada con la discreta rotundidad de aquel que expresa su visión del mundo sin esconder nada, aferrado a sus grandes tesoros: su imponente dignidad y su (agónico) hilo de voz. Manu Yáñez

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