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Un sprint cinematográfico de primer orden, Tangerine nos presenta a unas transexuales al borde de un ataque de nervios. La referencia al universo almodovariano no es baladí: uno puede imaginar al cineasta manchego sufriendo una crisis de nostalgia al descubrir en la nueva película de Sean Baker aquel impulso transgresor de sus primeras obras. La acción de Tangerine arranca en un prodigioso in media res: tras salir de prisión, Sin-Dee (Kitana Kiki Rodriguez) descubre a través de su compañera Alexandra (Mya Taylor) que su novio le ha sido infiel con una “mujer de verdad”, lo que pondrá en marcha una engrasada maquinaria narrativa de persecuciones y enredos. El iPhone 5s de Baker –con el que está rodado todo el film– colorea la realidad y saca humo mientras persigue a las chicas por las calles de Los Angeles, vampirizando los omnipresentes rótulos publicitarios y convirtiéndolos en versos de un feroz poema urbano (“They Will Never Let Go”, leemos sobre las ventanas de un bus). Hay pocos cineastas norteamericanos que gocen del talento de Baker para acercarse (y abrazar) a sus personajes sin el más mínimo atisbo de moralismo o sensacionalismo. La sombra de Pasolini sobrevuela el film: Baker se acerca a la marginalidad en busca de pura belleza y encuentra en el particular modus vivendi de sus personajes una forma de resistencia ante las mediocres normas y convenciones impuestas por la sociedad de consumo. Manu Yáñez

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Autores de obras veristas, temperamentales y amigas de lo anárquico, los hermanos Josh y Benny Safdie sostienen en pie el estandarte del verdadero espíritu indie, ese virus que engendra cineastas indomables: en este caso, tocados por el desbordamiento emocional del cine de John Cassavetes. La prueba de fuego del aliento incorruptible de los Safdie llega nada más comenzar Good Time, su mejor película hasta la fecha, que despega in media res, a ritmo frenético y proceder elíptico, arrastrando al espectador desde un centro para gente con discapacidades psíquicas hasta un atraco fallido, capturando por el camino el vínculo irrompible entre dos hermanos y el hedor urbano de la “otra” Nueva York. Los Safdie siempre han sentido debilidad por el ajetreo urbano, pero su apuesta por el desenfreno narrativo alcanza en Good Time cotas inéditas y gloriosas. El escenario y las interrelaciones entre los personajes remiten al universo criminal de poca monta de Malas calles de Martin Scorsese, pero la acción, marcada por una pulsión irreflexiva, parece más cercana al efecto bola-de-nieve de Jo, qué noche o a la narrativa espástica de Mikey and Nicky, la memorable comedia negra con toque noir de Elaine May. Manu Yáñez

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Cuadecuc, vampir surgió de una idea de Joan Brossa, que grosso modo consistía en metamorfosear una previa transformación de una obra clásica. En 1970 Pere Portabella se introdujo en el rodaje de la película de Jesús Franco El Conde Drácula: otra adaptación de la novela de Bram Stoker, interpretada por Christopher Lee, Klaus Kinski, Herbert Lom, Maria Rohm, Soledad Miranda y el propio director. El autor de Pont de Varsòvia filmó a dichos actores bajo las órdenes de Jesús Franco con una pequeña particularidad; pues, Cuadecuc, vampir es el resultado de alterar esas imágenes registradas, convirtiéndolas en una fantasmagoría similar al mito original. Asimismo, Portabella elimina los diálogos para que su ensayo devenga un film mudo, substituye el color por un blanco y negro, y transforma la banda sonora de la película comercial en sonidos cacofónicos a cargo Carlos Santos.

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Joe (Joaquin Phoenix) es un exmarine con trastorno por estrés postraumático que se dedica a salvar a mujeres de la trata de blancas, rescatándolas y “encargándose” brutalmente de sus proxenetas. Cuando un importante senador contacta con él para decirle que su hija Nina (Ekaterina Samsonov) ha sido secuestrada, Joe se ve implicado hasta las últimas consecuencias en una conspiración de trasfondo político mucho mayor de lo que podría haber imaginado. Al estilo Léon-Mathilda (El profesional) o Travis-Iris (Taxi driver), entre la niña y Joe se establece una relación singular: ese hombre hosco, problemático y violento despliega sus mejores intenciones en el cuidado de su joven e inocente protegida. Phoenix se amolda perfectamente al papel de Joe, interpretación que le valió el premio a mejor actor en el Festival de Cannes. Para En realidad, nunca estuviste aquí, adaptación de la novela de Jonathan Ames de mismo nombre, la directora Lynne Ramsay (Tenemos que hablar de Kevin) contó con una muy sutil y acertada banda sonora de Jonny Greenwood, compositor habitual de los films de Paul Thomas Anderson e integrante del grupo británico Radiohead. Júlia Gaitano

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Tras el estreno de La France en 2007, llegaba este segundo largometraje del cineasta y crítico Serge Bozon, titulado Tip Top a raíz de la novela homónima de Bill James que adapta libremente. Cuando un informante de origen argelino es asesinado, dos inspectoras de la Unidad de Asuntos Internos (interpretadas por Isabelle Huppert y Sandrine Kiberlain) se desplazan a la zona para investigarlo, acompañadas por el nada protocolario agente Mendès (François Damiens). En un conjunto de gags inconexos, siguiendo el estilo habitual de Bozon, la película ofrece una visión crítica de los modus operandi policiales, demasiado permeables a ciertos estereotipos raciales. El film fue seleccionado en la Quinzaine des réalisateurs, en Cannes 2013, donde se llevó una mención especial. Después de exprimir la faceta más excéntrica de Isabelle Huppert, Bozon ha vuelto a contar con la musa del cine francés para su más reciente Madame Hyde, que verá la luz en salas españolas el próximo septiembre. Júlia Gaitano

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A pesar de haber aparecido en papeles menores durante la década de los 80 (en El sueño de Arizona, de Emir Kusturica, entre otras), el actor y músico norteamericano de origen italiano Vincent Gallo se dio a conocer en el ámbito del cine independiente a raíz de Buffalo ’66, el que fuera su debut directoral, que vio la luz en 1998. El film, protagonizado por él mismo junto a una jovencísima Christina Ricci y secundarios de lujo (Anjelica Huston, Ben Gazzara, Rosanna Arquette), narra la historia de un joven confundido y problemático que, al salir de la cárcel, secuestra a una bailarina para hacerla pasar como su mujer ante sus padres. Gallo toma verdaderos pilares de la cultura norteamericana (el fútbol americano, los bolos, el suburbio…) y los distorsiona hasta lograr una fábula descarnada del verdadero American Way of Life. Cualquier ambición, esperanza o atisbo de luz al final del túnel se revela a través de la puesta en escena, y el montaje se evidencia para dar lugar a la aparición de ensoñaciones efímeras. El sino al que no puede escapar el film es un cierto fatalismo inscrito en la realidad marginal americana, encerrada en un tortuoso y fulgurante bucle de mediocridad y violencia. Júlia Gaitano

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Monte Hellman es el director de este clásico de culto que, pese a no haber sido un éxito comercial, fue rápidamente considerado paradigma de un nuevo cine norteamericano independiente de la década de los 70. Los protagonistas, unos escuetos James Taylor y Dennis Wilson, batería de los Beach Boys, a los que se suma la chica reglamentaria (Laurie Bird), funcionan como el síntoma de una juventud con una dirección, pero sin propósito, como esas inacabables carreteras de la Ruta 66. El desencadenante de la mínima trama que hila el film, ese “masculine power trip”, como enuncia lúcidamente la chica, es el personaje interpretado por un excepcional Warren Oates (Mejor Actor de Reparto por el círculo de críticos de cine de Nueva York – NYFCC). Una carrera hasta Washington, en la que el vencedor se hará con el coche del oponente. Los chicos se suman al reto, contra ese patético y solitario mentiroso compulsivo cuyo único objetivo es reclamar algo de atención o encontrar, justamente, ese propósito que los jóvenes no parecen echar de menos. Por el camino, un sinfín de gasolineras, estaciones de servicio con diners, algún que otro encontronazo amoroso y la más profunda incomunicación. Júlia Gaitano

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Michèle (Isabelle Huppert) es asaltada en su domicilio, brutalmente agredida y violada. Tras el ataque, decide no denunciar y continuar con su vida lo más normalmente posible, aun sabiendo que existe la posibilidad de que su asaltante vuelva a visitarla. A partir de ahí, el film se despliega hacia lo moralmente ambiguo, con Isabelle Huppert demostrando, una vez más, su increíble fuerza interpretativa. Elle transita un inconcreto territorio donde la violencia y el deseo se entremezclan de forma insolente, irreverente e inconcesiva. Paul Verhoeven, responsable de verdaderas obras maestras de la incorrección (entre las que destaca la aborrecida Showgirls), insta al espectador a enfrentarse a la insondable complejidad de la psique humana, sin perder nunca un tono ligeramente humorístico, lo que puede sumar al desconcierto del espectador. La cotidianidad de Michèle, sus situaciones profesionales y familiares, son el núcleo visible de la película, pero quedan indefectiblemente allanadas por la incómoda presencia de una violencia endémica e imposible, por lo tanto, de evitar. Ampliamente elogiada por la crítica, la película ganó múltiples reconocimientos, entre ellos dos Globos de Oro y dos Premios Cesar, a Mejor Actriz para Huppert y Mejor Película. Júlia Gaitano

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Escueta y sobria, como el personaje interpretado por Lee Marvin alrededor del cual se estructura la trama, esta película del británico John Boorman (Defensa, Excalibur) es considerada uno de los mayores clásicos del neo-noir moderno. La mecha de esta historia de traiciones y venganza se prende a través de un expresivo uso del montaje, que equilibra el automatismo interpretativo de Marvin y ayuda a reconstruir el pasado complejo de su personaje, apelando constantemente al visceral impulso que parece moverlo. Contando con una memorable “organización” antagonista, capitaneada por Mal Reese (John Vernon), A quemarropa adapta la novela del 1963 The Hunter, del escritor Donald E. Westlake bajo el seudónimo Richard Stark, uno de sus numerosos alias. No resulta difícil entender el motivo por el cual este título se ha mantenido como el film de culto que aún se le considera, pues un innegable sentido del humor, unido a la frontalidad y descaro de la violencia que se muestra, presente en toda la película, hacen de ella la carismática cinta de serie B que es. Júlia Gaitano

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O fantasma es el primer largometraje del cineasta portugués João Pedro Rodrigues (El ornitólogo, Morir como un hombre), con el cual establecería los más importantes pilares de su filmografía: la temática queer, con una desmesurada representación del deseo y, a su vez, añadiendo un permanente hermetismo a esta fórmula. Los protagonistas de este film son paisajes de nocturnidad: el sucio extrarradio lisbonense y un joven basurero (Ricardo Meneses), esa figura invisible y omnipresente que patrulla las calles buscando la máxima expresión del placer. Esta pasa por una serie de episodios sensuales, bruscos e inexplicados que van creando, progresivamente, una atmosfera degradante hasta llegar a la perversión final. El fantasma relata la conversión de este chico solitario en un ser ignominioso, más cercano a la naturaleza árida de los escombros entre los que se mueve por trabajo que a la idea de humanidad habitual que nos hemos formado en nuestras mentes. Rodrigues juega magistralmente en el terreno de lo erótico, mostrando más que juzgando, jugando con la pétrea ética del espectador. Júlia Gaitano

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