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¿Cómo referirnos a una película demasiado febril y disonante (¡gracias, Jonny Greenwood!) para ser considerada estrictamente neoclásica, cómo caracterizar esta obra demasiado original para ser etiquetada de posmoderna, cómo domesticar este film demasiado anti-chic y armónico para ser considerado “moderno”? Con su tallo voluble, su espíritu devocional y su apego a las supersticiones, Phantom Thread se enreda por todo lo largo y ancho del Planeta Cine mientras nos invita a perder la razón y aferrarnos a la butaca. En su mejor versión, Paul Thomas Anderson encauza su sentido de la autoexigencia hacia las antípodas de los lugares comunes. Esquivando los cantos de sirena de lo simbólico, Phantom Thread encuentra un modo directo, físico (también poético), de materializar las corrientes de amor y aflicción de sus personajes. Se erige como el film de PTA donde el estudio del deseo y el tormento humanos se fragua de manera más concreta sobre cada milímetro de tela, piel y encuadre: ¡qué logro tan rotundo para una película sobre pespuntes textiles y románticos! Manu Yáñez

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Tal como comenta la teórica Laura Mulvey, el cine es un arte eminentemente voyeurista, y este fetichismo de la mirada va ligado inevitablemente a un poder (en este caso, de género). Mulvey identifica en una cierta tradición cinematográfica dos roles distintos relacionados con el poder que va ligado a esa mirada. Por un lado, los observadores/fuerzas activas; por otro, los observados/pasivos. En El desconocido del lago, Alain Guiraudie (Rester vertical) estructura gran parte de lo que se desarrolla alrededor de estas dos posiciones: el deseo de quien mira hacia el sujeto observado y, evidentemente, una fuerte carga de poder sexual, tanto de forma implícita a través de las miradas, o explícitamente, dada la localización del film -un lago nudista, meca de cruising– y la naturaleza de las  relaciones entre los personajes. Franck, que pasa tiempo alrededor del lago con su amigo Henri, es seducido por un misterioso Michel, quien a medida que vaya transcurriendo el film, se irá tornando cada vez más oscuro y amenazador. Júlia Gaitano

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“Y yo… ¿Quién soy en esta historia? (…) En fin, soy uno cualquiera de ustedes. Yo soy la encarnación de vuestro deseo (…) de saberlo todo. Y para que el amor empiece su ronda, ¿qué nos falta? Un vals. He aquí el vals. ¡Gira el vals! ¡Gira el carrusel! Y la ronda del amor, también gira.” Con estas líneas da comienzo La ronda, film del alemán Max Öphuls. Las pronuncia el narrador (Anton Walbrook), que se pasea de carne y huesos entre los personajes que conforman esta historia de enredos amorosos, adaptación de la polémica obra de teatro de Schnitzler. Öphuls mantiene el tono crítico y humorístico del argumento original añadiendo un elemento metanarrativo: esa figura del autor que, al verbalizar los engranajes humanos, pone en marcha el carrusel narrativo. Desde la historia de amor inicial, entre una prostituta y un soldado, se van encadenando distintas escenas amorosas protagonizadas por figuras definidas y arquetípicas como “el señorito”, “la camarera”, “el marido” o “la actriz”. Según la historia de Schnitzler, Öphuls muestra sin mucho reparo la doble moral de la sociedad, enfrascada en unas vidas regidas por el deseo y la infidelidad. La elegante cámara del cineasta alemán sigue, junto al narrador, el transcurso de ese carrusel del amor que, en medio de la plaza, no cesa de girar. Júlia Gaitano

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Si los años 2000 se caracterizaron por una serie de películas románticas donde el protagonista, un hombre absorto en su propia inmadurez, era salvado gracias a la locura de la Manic Pixie Dream Girl de turno, la década de los diez destaca por un efecto en principio contrario. La mujer en el cine pasó a tomar las riendas de su propia narración vital y películas como la muy influyente La boda de mi mejor amiga –escrita por Kristen Wiig y Annie Mumolo– inauguró un periodo que iría desde las Girls de Lena Dunham a los personajes ideados por Amy Schumer y Greta Gerwig. Todos estos ejemplos parten de la figura de una mujer consciente de que no puede encontrarse a sí misma en el otro… pero que aun así lo busca. La comedia sigue siendo romántica pero aquí las protagonistas pasan por un proceso de deconstrucción marcado por una búsqueda interior, único camino para el encuentro con los demás. Es en cierto modo un romanticismo del yo. María (y los demás) responde también en parte a esa figura: la mujer que, pese a su inmadurez, se sabe responsable de su propio proceso y camino. Y, en este sentido, la ópera prima de Nely Reguera ofrece un personaje femenino complejo que no puede entenderse sin la actriz que lo lleva a la vida. Barbara Lennie es una de esas actrices en cuyo rostro puede leerse un guión entero; una actriz cuyo gesto está, al mismo tiempo, controlado al milímetro y dotado de una extrema naturalidad; tanto que resulta imposible creer que estemos ante un artificio. Endika Rey

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Resulta difícil definir El ornitólogo sin estropear alguna de sus innumerables sorpresas: estamos ante un viaje del héroe donde no hay héroe, ante un periplo que pese a no dejar nunca de avanzar tampoco puede definirse con certeza como un camino hacia ninguna parte. Fernando (un espléndido Paul Hamy) es el ornitólogo del título, uno que, tras perderse en el bosque, es rescatado por dos turistas chinas que se dirigen hacia el camino de Santiago y cuyas intenciones no serán tan místicas (o, ¡quién sabe! tal vez precisamente lo sean) como cabía esperar en un principio. Ésta será sólo la primera parada de Fernando en su marcha, una que a través de las profundidades del bosque acaricia las del espíritu y las del espíritu y las del deseo. Dotada de más humor que otras cintas del realizador como O fantasma o Morrer como um homem. El ornitólogo se acerca a temas similares a aquellas sólo que desde una orilla distinta. Endika Rey

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Spotlight lo tenía todo para convertirse en otro de esos films épicos y sentimentales que, a la manera de Philadelphia o Erin Brockovich, dan cuenta de los esfuerzos y sacrificios heroicos que es capaz de realizar el ser humano en nombre de la verdad y la justicia. Sin embargo, Spotlightes una película menos ortodoxa de lo que podría parecer, un film capaz de esquivar la fórmula actual que convierte toda película sobre profesionales en un festín de vertiginosas batallas dialogadas. En Spotlight, los periodistas del Boston Globe que trabajan por sacar a la luz una trama de encubrimiento de casos de pederastia en la archidiócesis de Boston no hablan deprisa a no ser que la situación lo requiera y en lugar de correr por los pasillos de la redacción, caminan con pausa, marcando territorio. El compromiso de Thomas McCarthy  con el caso real que pone en escena también se expresa en su genuino interés por el profesionalismo de sus protagonistas. Cada día es menos habitual encontrar películas centradas en el trabajo. La ley del arco romántico, del drama familiar, del trauma explicativo, parece marcar la pauta del cine industrial yanqui. Por su parte, a la manera de Sidney Lumet o Alan J. Pakula, McCarthy limpia su película de ruido dramático ambiental y se concentra en la investigación llevada a cabo por sus protagonistas. Así, la columna vertebral de este film esquelético, sin florituras, es la indagación periodística, que basta para mantener la película en movimiento. Manu Yáñez

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Existen películas cuya leyenda sobrepasa todos los elementos que pueden finalmente verse en pantalla. Easy Rider es una de ellas: representante de la contracultura de los sesenta, rodada bajo potentes alucinógenos y sin un guión estricto, superviviente de un rodaje repleto de broncas y enfrentamientos… Easy Rider se convirtió en un clásico de los nuevos cines desde el momento de su estreno pero si lo hizo fue, precisamente, por algo también alejado de sus valores cinematográficos: la película fue todo un éxito en taquilla. Esto, que tal vez parece un detalle accesorio, n realidad fue algo determinante para que aún hoy continuemos otorgándole un lugar tan importante en la historia del cine. Tal y como contaba Peter Biskind en “Moteros tranquilos, toros salvajes” (que, dicho sea de paso, también contribuyó de manera importante a cimentar la leyenda: nadie como los estadounidenses para perpetuar sus propios mitos), Easy Rider fue un primer paso en la generación que cambió Hollywood e indicaba que el autor había llegado a los estudios, si bien no sería para quedarse. El relato, que probablemente finalizaría con La puerta del cielo (y, de nuevo, por razones alejadas de la película: ésta sí que fue un fracaso en taquilla) tal vez sea un tanto exagerado pero, en cualquier caso, Easy Rider es una película importante. Una que funciona perfectamente en su contención pero también por la sugerencia de todo aquello fuera de campo. Endika Rey

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La muerte y la doncella, originalmente escrita para teatro por Ariel Dorfman, es la obra hispanoamericana más representada en el mundo y no es de extrañar que Polanski mostrara su interés en adaptarla: no sólo partimos de una fascinación por el ojo por ojo y la venganza, ni de un discurso sobre la conversión de la propia víctima en verdugo, sino que estamos ante una película claustrofóbica que aprovecha el espacio para generar tanto una inundación de violencia como una siniestra sexualidad latente. Resulta imposible olvidar ese enfrentamiento entre una Sigourney Weaver y un Ben Kingsley donde, sin haber mención explícita, se sobrevuela toda la historia de un país como Chile donde vencedores y vencidos se vieron obligados a sostenerse la mirada. El propio título hace referencia explícita a la pieza de Schubert que la protagonista escuchaba mientras era torturada en tiempos de la dictadura.  Endika Rey

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Akira es uno de los títulos de animación japonesa más míticos de la historia del cine, considerada en la actualidad como una auténtica cinta de culto. Está basada en el cómic manga del mismo título, cuyo autor, Katsuhiro Ôtomo, se encarga de dirigir esta cinta. Akira narra la historia de los adolescentes Tetsuo Shima y Shotaro Kaneda, y la banda de moteros a la que pertenecen. Juntos, rondan por las calles de una post-apocalíptica Neo-Tokyo, enmarcada dentro del universo cyberpunk. El primero de los protagonistas, raíz de un destructivo incidente, activa algo en él que le otorga unos extraños poderes psíquicos, con los cuales es capaces de liberar a un temido y desconocido ente que responde al nombre de Akira. Tetsuo, tras toda una vida ninguneado por sus compañeros, ve entonces la oportunidad de destacarse de ellos y demostrar su fuerza. Kaneda, el terrorista Kei, el coronel Shikishima del JSDF y un trío de personajes con habilidades extrasensoriales intentarán evitarlo, sitúandose en el centro de un conflicto que podría desembocar en la destrucción total del planeta. Gonzalo de Pedro y Júlia Gaitano

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Pese a la punzante melancolía que sigue recorriendo el cine de Philippe Garel, sus últimas tres películas –La jalousie, L’ombre des femmes y ahora Amante por un día, todas en garreliano blanco y negro– parecen perfilar un giro hacia una relativa ligereza. Tocadas por una tendencia a la fuga, incluso a la precipitación de los acontecimientos, son películas que hallan en su pulsión cinética y su cadencia elíptica una forma idónea de exploración del gran tema del director de La cicatrice intérieure: la volatilidad de las emociones y los sentimientos, la fulguración e inconsistencia connatural del deseo. Sólo a Garrel se le ocurriría emparentar, con un grácil y a la vez demoledor corte de montaje, una sonrisa cómplice (poscoital y adúltera) con el lloro desesperado de la (otra) mujer ultrajada. En este caso, la trama del film gira en torno de uno de los habituales triángulos garrelianos, esta vez formado por un padre (Éric Caravaca), su joven amante (Louise Chevillotte) y la hija (Esther Garrel, hija del director). 100% Garrel. Manu Yáñez

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