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La ópera prima de François Truffaut figura como una de las grandes, y ya eternas, películas sobre el “coming of age”, la transición entre infancia y juventud, el proceso de maduración en el que los niños dejan de serlo para asomarse al abismo de la vida adulta, buscando, si es posible, su lugar en el mundo. Y así, la película de Truffaut se aparece imprescindible en su retrato, en formato panorámico, de un joven solitario (y solitario aparece en muchos de los encuadres) que se enfrenta a su vida adulta, que camina, que pasea, que huye, hasta encontrarse a sí mismo en una mirada a cámara eterna.

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En el marco del ciclo “Bajo la influencia de Marjane Satrapi”, La Casa Encendida presenta Samouni Road, mezcla de documental y animación que se estrenó en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes. Generación tras generación, la comunidad campesina Samouni ha vivido aislada a las afueras de la ciudad de Gaza, abasteciéndose de sus actividades agrícolas. Samouni Road de Stefano Savona (director de Tahrir Liberation y Cast Lead) documenta la relación que mantuvieron los miembros del campamento rural palestino con las fuerzas de ocupación israelí en los últimos setenta años. Una convivencia forzada que terminó en enero de 2009, con un bombardeo letal del que pocos sobrevivieron.

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Ante la imposibilidad de analizar este “libro de imágenes” como si se tratara de un film convencional, presentamos un “abecedario discontinuo” con el que aproximarnos al ensayo fílmico de Godard. A de Arabia: Tras una primera mitad heredera de Histoire(s) du cinema –y dominada por el pensamiento angloeuropeo–, Le livre d’image reclama que dirijamos nuestra mirada al mundo árabe, cuna de la civilización, escenario de revoluciones frustradas, y habitada por criminales venidos del exterior. Arabia, no el Islam. Dejemos a un lado los prejuicios, reclama Godard / B de Brecht: “Solo en el fragmento es posible encontrar la verdad”. En Le livre d’image, Godard sublima la idea del discurso cercenado. Teoriza sobre el contrapunto como el arte de la superposición; sin embargo, más que a la conjunción de imágenes y voces, Godard apuesta aquí por la escisión plena: el corte de montaje a negro como dispositivo central del discurso. Boicotear la comprensión elemental para invitar a pensar más allá de las imágenes / C de Clases: He aquí una historia de la extinción de las especies. El mundo se divide en dos grupos: ricos y pobres. Ambos parecen tener como misión la destrucción. Los ricos por voluntad propia. Los pobres por necesidad y falta de otras opciones / I de Impurezas: En numerosas ocasiones, las imágenes “citadas” por Godard en Le livre d’image cambian de formato súbitamente en la pantalla, dejando por el camino lo que parece la estela de un glitch. Otras veces, es el contraste o la temperatura de los colores lo que desbarajusta el “equilibrio” de dichas imágenes. La exploración de la impureza digital como una forma de explicitar su (im)posible materialidad / R de Remakes: De los chicos sometidos en Saló de Pasolini a unas ejecuciones filmadas en formato casero por algún grupo terrorista. La historia repite al cine. El cine prueba su inutilidad. Godard busca sublevar al cine y devolverle su función revolucionaria. Manu Yáñez

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Cinta mítica y de culto donde las haya, Videodrome es una película que todavía hoy, casi treinta años más tarde después de su estreno, sigue siendo una película imprescindible para entender o asomarse al complejo mundo de la imagen contemporánea y la creciente canivalización de lo real por las imágenes. La propuesta terrorífica, visionaria y alucinada de Cronemberg, de esa carne convertida en imagen, en televisión, ese cuerpo mimetizándose con los medios de masas, ha pasado de ser una pesadilla a convertirse de forma cotidiana y asumida por todos nosotros en una realidad: filmamos, somos consumidores, productores, receptores y transmisores de imágenes. Nuestra carne es objeto de consumo, filmación y venta. En un ensayo publicado por Criterion con motivo de la edición especial de la película, el crítico Tim Lucas escribió: “Cronenberg es una de las pocas figuras que surgieron en el primer siglo de cine que son verdaderamente análogas a Leonardo da Vinci o Julio Verne, personas cuyas imaginaciones fértiles han sentado las bases de nuestro futuro tecnológico y cambiado la manera en todas las personas que viven y piensan. Del mismo modo, en el cine post-Videodrome de hoy en día, todo es posible”.

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La directora francesa de Un amor de jeunesse o L’Avenir plantea un delicado y emotivo acercamiento al modo en que la muerte irrumpe en el seno familiar. Entre las cualidades que atesora El padre de mis hijos, se encuentra una que, por su delicada formulación, suele pasar desapercibida: la capacidad de observar de cerca la realidad y al mismo tiempo conservar intacto su misterio. De retratar el curso de la vida como flujo incesable, lo cual parece ser el principal objetivo de la cineasta, surge siempre la ruptura, la brecha, provocada por la pérdida: de un ser querido, de un amor perdido, de una certeza abandonada… Basada en el suicidio del productor de cine francés Humbert Balsan, la primera mitad de la película es dedicada al retrato de un hombre poliédrico, a quién Hansen-Løve se acerca con cautela, como si se tratara de una bomba de relojería, y por el camino descubre un universo familiar que captura con verismo y pudor. En conjunto, se diría que estamos ante una película honesta y ejemplar, capaz de albergar la complejidad y belleza de la vida sin necesidad de juzgarla o manipularla. La sesión incluirá un coloquio con la directora, Mia Hansen-Love. Manu Yáñez

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