Agenda Otros Cines

Semana del 20 al 26 de julio

Agenda Barcelona

IKARIE XB 1 (Jindřich Polák, 1963)

IKARIE XB 1 (Jindřich Polák, 1963)

Presentada en el Festival de Cannes 2016 en la sección Cannes Classics y restaurada digitalmente en 4K, Capricci Cine estrena IKARIE XB 1, la obra de culto de la ciencia ficción dirigida por Jindřich Polák en 1963. Paradigma perdido de la ciencia ficción contemporánea, IKARIE XB 1 –una de las pocas producciones futuristas del cine checoslovaco comunista– adapta libremente de la novela de Stanislaw Lem La nube de Magallanes, escrita en 1955. Durante los años de la Guerra Fría, los países del bloque soviético manifestaron un interés particular por el género de la ciencia ficción, vehículo ideal de propaganda para transmitir la nueva utopía comunista. En este contexto, en plena carrera contra los Estados Unidos por la conquista del espacio, surgió IKARIE XB 1, una película grandiosa, ambiciosa y costosa, que buscaba exaltar la supremacía científica soviética. Anthony Frewin, que fue durante mucho tiempo el ayudante de Stanley Kubrick, confirmó que entre todas las películas que el cineasta utilizó para preparar 2001: una odisea del espacio figuraba IKARIE XB 1. Pero su influencia puede reseguirse en muchos otros clásicos del género: sus imágenes sirvieron de referencia visual a Franklin J. Schaffner para filmar El planeta de los simios (1968), la dimensión psicológica de los personajes inspiró a Andrei Tarkovski en Solaris (1972), y la existencia de una nave abandonada en el espacio anticipó Alien (1979) de Ridley Scott.

Programación completa del cine Renoir Floridablanca

La quimera del oro (Charles Chaplin, 1925)

La quimera del oro (Charles Chaplin, 1925)

Tercer largometraje de Charles Chaplin (más conocido en España durante mucho tiempo por el sobrenombre de “Charlot”) tras una larguísima serie de cortos y mediometrajes en distintas productoras. Tras su segunda película, Una mujer de París, dirigida, escrita, y producida por él, pero en la que sin embargo no actuó, hecho que pudo motivar el relativo fracaso de público, Chaplin retomó los papeles principales con esta historia en la que vuelve a interpretar a su célebre y torpe vagabundo, mitad cómico, mitad inocente, mitad ingénuo, capaz de despertar la risa y la compasión por igual. Esta historia de dos tristes buscadores de fortuna en el oeste americano funciona como una temprana crítica al sueño americano de fortuna, pero es además una cumbre cinematográfica por la capacidad de combinar lo burlesco y lo dramático, lo físico y lo moral, lo emocional bajo lo aparentemente cómico y absurdo. Gonzalo de Pedro Amatria

Programación completa del cine Phenomena

La infancia de Iván (Andrei Tarkovsky, 1962)

La infancia de Iván (Andrei Tarkovsky, 1962)

Ingmar Bergman aseguraba sobre Tarkovsky que “cuando la película no es un documento, es un sueño. Es por eso que Tarkovsky es el más grande de todos. Tarkovsky no da explicaciones, ¿por qué tendría que explicarse? El es un espectador, capaz de poner en escena sus visiones en el más difícil, pero de cierta forma, el más complaciente de los medios. Toda mi vida he martillado las puertas de los cuartos en los que Tarkovsky se mueve tan naturalmente. Sólo en algunas ocasiones he logrado entrar”. Cuando el director sueco vio La infancia de Iván aseguró que “es un verdadero milagro. Me sentí conmovido cuando descubrí que todo lo que yo siempre quería contar, pero que no sabía cómo expresarlo, estaba en esta película”. Ganadora del gran premio en el Festival de cine de Venecia, en La infancia de Iván asistimos a ese cine como superposición entre la realidad y lo onírico acerca de la cual que hablaba Bergman. Un mundo masculino y violento frente a otro femenino más vinculado a la naturaleza y a la espiritualidad que, de algún modo, cambiaría la historia del cine moderno. Endika Rey

Programación completa de la Filmoteca de Catalunya

L.A. Confidential (Curtis Hanson, 1997)

L.A. Confidential (Curtis Hanson, 1997)

En el momento de su estreno L.A. Confidential recibió duras críticas por permitirse la licencia de acabar con un final feliz la que hasta ese instante había sido una apropiación y actualización modélica de todos los actantes históricos del cine negro. La ciudad de Los Ángeles permitía a sus protagonistas una vía de escape hasta entonces insólita en los parámetros del género, pero no se debe confundir esa decisión con posibles presiones de la industria o la necesidad de epatar con el espectador. Si L.A. Confidential camina hacia la luz es precisamente porque de algún modo es una despedida de todo un género basado en la sombra: hablamos de una recopilación metanarrativa que se apropia de los recursos del cine clásico pero también de su escenario, y que lo hace con la intención de acabar derivando en una apología de la realidad por encima del simulacro. L.A. Confidential es una obra maestra, tal vez la última película perfecta que se permite tanto estar dentro del cine negro como rodearlo. Por eso no tiembla la voz al asegurar que estamos ante un auténtico clásico de nuestro tiempo, porque, pese a la paradoja, la película consigue un imposible: ser y estar en dos periodos y espacios al mismo tiempo. Endika Rey

Programación completa de la Filmoteca de Catalunya

La puerta del cielo (Michael Cimino, 1980)

La puerta del cielo (Michael Cimino, 1980)

Se ha hablado mucho de la importancia de La puerta del cielo en la historia de Hollywood: su presupuesto y ambición desmesurados, unidos a su taquilla desastrosa, cambiaron de algún modo la forma en que el cine de autor parecía haberse inscrito en la industria. Todo eso es cierto, pero no lo es menos que cuando los estudios sobre cine se acercan a la película suelen fijarse más en ese trivia que en la propia película. Más allá de su significación cultural, estamos ante una de las mayores obras maestras del cine de los setenta, tal vez ante la última gran épica, alejada de targets y de convenciones, profundamente preocupada por desarrollar una historia donde la empatía queda demostrada más por el mimo de la puesta en escena que por los elementos de guión. Podríamos hablar horas de los incontables misterios y colosales aciertos de La puerta del cielo, pero nos limitaremos a comentar uno sólo: la fotografía de Vilmos Zsigmond, uno de los mejores trabajos de profundidad de campo y enmarcamiento de la historia. Un trabajo en real 3D sin necesidad de gafas. La Filmoteca de Catalunya continúa con su homenaje a Cimino en una película que, esta vez sí, está hecha para la gran pantalla. Endika Rey

Programación completa del cine Phenomena

Agenda Madrid

Frantz (François Ozon, 2016)

Frantz (François Ozon, 2016)

La carrera de François Ozon ha ido, poco a poco, virando hacia el clasicismo formal. Muy atrás quedan experimentos estimulantes como Sitcom, 8 mujeres o Amantes criminales. Sus películas siguen siendo artefactos repletos de giros, hallazgos narrativos, exploraciones en torno al origen de las historias. Sin embargo, su pulso, su capacidad de transgredir en el plano de las imágenes, más allá del texto, se han ido aplacando con el paso del tiempo. Puede ser fruto de lo que muchas veces, sin motivo, se denomina madurez cuanto se habla de un cineasta. El caso es que su cine no ha perdido interés. En primer lugar, por la velocidad con la que sigue entregando películas, y, en un plano más profundo, por la habilidad con la que va tejiendo un hilo (a veces casi imperceptible, pero siempre muy consistente) en las diferentes historias que elige. En este caso, se acerca a Remorimiento (1932), de Ernst Lubitsch, que estaba basada en la obra de teatro L’homme que j’ai tué, de Maurice Rostand, para proponer una análisis de las consecuencias de la guerra (la I Guerra Mundial, pero podía ser cualquier otra) en los combatientes y en sus familias. De un exquisito aroma clásico, y alternando de manera hábil los formatos, Ozon consigue ir extrayendo el jugo de las múltiples capas del relato con la ayuda de Paula Beer, excepcional actriz en el papel de viuda de un militar y protagonista del film. Fernando Bernal

Programación completa de La Casa Encendida

Five Golden Flowers (Wang Jiayi, 1959)

Five Golden Flowers (Wang Jiayi, 1959)

Durante el mes de julio, Filmoteca Española dedica un ciclo a la mujer china en el cine, con películas fechadas entre 1930 y 1960. Se trata de obras restauradas digitalmente por China Film Archive, el equivalente de una cinemateca en aquel país. Durante más de tres décadas, esta institución se ha dedicado a recuperar películas, mejorar las copias y, en última instancia, lograr que se puedan ver en otros lugares del mundo, de manera que la cinefilía mundial pueda expandir sus horizontes más allá de las últimas generaciones conocidas de la Escuela de Pekín, y de los ‘novísimos’ que se encuentran ya consolidados en las secciones internacionales de los diferentes festivales internacionales. Entre los títulos (todos ellos inéditos) que comprenden el ciclo, se encuentra Five Golden Flowers, de Wang Jiayi, un curioso melodrama que, bajo el artefacto de un film musical, cuenta la historia de una pareja de enamorados cuya relación acaba surcando los terrenos del melodrama más desaforado. Tiene interés cinematográfico, pero resulta más interesarte verla con la perspectiva del contexto socio-político de China justo antes de que comenzarán los agitados años sesenta. FB

Programación completa de Filmoteca Española

Un minuto de gloria (Kristina Grozeva, Petar Valchanov, 2016)

Un minuto de gloria (Kristina Grozeva, Petar Valchanov, 2016)

Kristinav Grozeva y Petar Valchanov, que habían debutado como pareja creativa con la muy interesante La lección (2014) salieron como grandes triunfadores del último festival de Gijón, donde lograron el premio a la Mejor Película, además del Guion y el galardón que otorga la crítica. Su película se convirtió en una de las sorpresas del certamen asturiano y corroboró mucho de lo que había apuntado en su film de debut. En este caso encontramos una fábula social, muy en la línea de Los exámenes (2016), de Cristian Mungiu, donde la obvia crítica a la burocracia del Estado se entremezcla con cuestiones morales que afectan a los personajes protagonistas, que acaban abatidos (o propulsados) tanto por su rectitud como por su codicia insaciable. En realidad, la comparación con el ganador de la Palma de Oro de Cannes sirve sólo para abrir un paralelismo más amplio con todo el Nuevo Cine Rumano que lleva años floreciendo con éxito en su país vecino. Tomando ese estilo naturalista y distante que ha convertido a la cinematografía rumana en una de las más interesantes del Viejo Continente en la actualidad, la pareja de directores aborda la historia del enfrentamiento entre un trabajador del ferrocarril y una jefa del Ministerio de Transportes. Y lo hace con mucha ironía y sin permitir que ningún títere se quede injustamente con su cabeza. Fernando Bernal

Programación completa de Círculo de Bellas Artes

Berberian Sound Studio (Peter Strickland, 2012)

Berberian Sound Studio (Peter Strickland, 2012)

Dario Argento, Mario Bava, Lucio Fulci, Pupi Avati son algunos de los directores que convirtieron el amarillo (eso es lo que significa ‘giallo’) de las portadas de las novelas baratas de detectives y terror en un género cinematográfico. Hace ya cuarenta años firmaron una serie de películas, algunas de ellas de muy bajo presupuesto, que alumbraron una forma de concebir el terror que hay que reconocer que marcó un antes y un después y alumbró subgeneros tan estimulantes y satisfactorios desde el punto de vista comercial como el ‘slasher’. Hacia esa época, hacia mediados de lo sesenta, vuelve su mirada Peter Strickland en este film protagonizado por un supervisor de efectos de sonido (soberbio, como siempre, Tobey Jones), que se encuentra ante el reto de ambientar un ‘giallo’ con sus técnicas analógicas, que le obligan a estar encerrado en un estudio frente a imágenes de crímenes, brujas y otra serie de criaturas llegadas del mismo infierno. La audacia de Strickland es que ese terror de la pantalla que proyecta el 35 mm se convierte en realidad. Un viaje que comienza en el citado Argento y termina muy cerca, pero mucho, de Lynch, pasando cerca de Poe. Palabras mayores que resuenan como un efecto terrorífico creado con un verdura golpeando sobre el metal. Fernando Bernal

Programación completa de Filmoteca Española

El pasado (Asghar Farhadi, 2013)

El pasado (Asghar Farhadi, 2013)

“Vuelvo una y otra vez a la familia, porque es un tema con el que enganchas rápidamente con el público, no hace falta explicar muchas cosas de las relaciones, todos lo entendemos. Lo mismo ocurre con la pareja, la relación más vieja de la humanidad, podría estarme toda la vida escribiendo sobre ella”, así presentaba en Cannes el director iraní su película. Tras el éxito de Nader y Simin, con la que consiguió el Oso de Oro en el Festival de Berlín y el Oscar a la Mejor Película en Habla no Inglesa, Farhadi no se movió mucho de su campo de batalla y siguió explorando los conflictos de pareja, en este caso sólo lo amplió un poco a nivel geográfico, trasladando la acción a Francia. La co-producción internacional de su film, como le sucedió al final de su carrera a su compatriota Abbas Kiarostami, le permitió trabajar con mayor libertad (obviamente) y también incluir a actores internacionales en el reparto. En este caso, Bérénice Bejo (The Artist) y Tahar Rahim (Un profeta) interpretan a una pareja que se reencuentra con la idea de formalizar su divorcio, tras haber vivido separados algún tiempo. Farhadi vuelve a demostrar su habilidad para retratar los conflictos sentimentales con una aparente distancia que, en realidad, lo que permite es que cada plano se convierta en una radiografía emocional de sus personajes. Y, en algunas ocasiones, en una operación a corazón abierto. Fernando Bernal

Programación completa de La Casa Encendida

Agenda Otras Ciudades

Twentynine Palms (Bruno Dumont, 2003)

Twentynine Palms (Bruno Dumont, 2003)

Tras revolucionar la (muy) anquilosada cinefilía de finales de los noventa con La humanidad (1999) a su paso por el Festival de Cannes con premio incluido –un paso no exento de polémica, como buena revolución que se precie–, Dumont continúo en la línea dura de su filosofía narrativa con esta película que, si se podía, puso el listón de la exigencia un poco más alto. Y lo hizo sin abandonar ese lenguaje explícito, el mismo que rompió los esquemas de la crítica más tradicional cuatro años antes, que incluye un acercamiento particular a los cuerpos y al sexo, pero también una forma de exigir al espectador ante una narración tan desoladora como lo puede ser el desierto de Mojave en Estados Unidos en el que transcurre el film. Por allí, sin buscar huellas, y sin rumbo fijo, transitan una pareja de jóvenes (¿enamorados?) que buscan la localización perfecta para una sesión de fotos. La incomunicación (Antonioni, cómo no) se funde con una extrañeza que sólo son capaces de tocar con el objetivo de su cámara directores personales como Dumont. Si no es una de sus mejores películas, sí es una de las que esconde más claves de su reivindicable filmografía que, por cierto, se encuentra en constante y sana expansión. Fernando Bernal

Programación completa de Tabakalera

Natureza Morta (Susana de Sousa Dias, 2015)

Natureza Morta (Susana de Sousa Dias, 2015)

“Cuando empecé a hacer Natureza Morta, me enfrenté a un reto: ¿Cómo mostrar el reverso posible de la dictadura a través de las imágenes producidas por esa misma dictadura? Viendo todas las imágenes, empecé a entender que a veces, había en su interior una especie de malestar, algo que escapaba al mensaje que la dictadura pretendía transmitir a través de ellas. Entonces, comencé a investigar en busca de esos síntomas, por lo que ralenticé la imagen, la reencuadré, etc”. Así define la directora portuguesa esta vídeo-instalación que se puede ver a lo largo de todo el mes en el espacio La pared, de Tabakalera. Las víctimas de la dictadura son objeto de trabajo de la cineasta desde hace algunos años. Hace unas semanas reseñábamos aquí Luz obscura, su último documental, mientras Naturaleza Morta adopta la forma de pieza concebida para museo, que, en el fondo, entronca, complementa y amplifica de una manera brutal todo el corpus narrativo que ha ido desarrollando a lo largo de estos últimos diez años. Fernando Bernal

Programación completa de Tabakalera

Luna nueva (Howard Hawks, 1940)

Luna nueva (Howard Hawks, 1940)

Con La diligencia, Matar a un ruiseñor o esta obra maestra de Howard Hawks, Numax ha ido recuperando algunos títulos esenciales de la edad de oro de Hollywood que siempre merece volver a disfrutar en pantalla grande. Con el título original de His Girl Friday, el maestro Hawks firmó la segunda adaptación de la obra teatral de Hecht y MacArthur The Front Page, ambientada en el mundo del periodismo. Quizá una de las mejores películas sobre los avatares de la profesión (o una de las más incisivas y corrosivas), pero, sobre todo, una comedia romántica perfecta, asentada en diálogos, réplicas y contrarréplicas que funcionan con la precisión de un metrónomo y que se ven beneficiados por el ritmo impuesto por el director y por la química entre Rosalind Russell y Cary Grant, su pareja protagonista. Billy Wilder volvió a llevar el libreto original al cine en la también magistral Primera Plana (1974), con Jack Lemmon y Walter Mathau como protagonistas, exhibiendo la misma química y el mismo sentido del humor afilado. Sin embargo, la de Hawks tiene a su favor ese aire clásico que sólo puede tener el cine del viejo (gran) Hollywood. Fernando Bernal

Programación completa de Numax