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Love Me Not, la subversiva nueva película de Lluís Miñarro, propone una brecha abismal en el corazón de la ortodoxia. Resquebrajando las categorías sexuales, genéricas y dramáticas, transitando entre el cine de la palabra, el arrebato surrealista y la delirante parábola política, lo nuevo del director de Stella Cadente se atreve a trasladar el relato bíblico de Salomé, y su relectura a manos de Oscar Wilde, hasta una variante alucinada del desierto de Irak (que podría ser un escenario de Buñuel o Pasolini), donde las aberraciones cometidas en Abu Ghraib por los soldados estadounidenses son desarticuladas por un vendaval de sensualidad, absurdidad y kitsch. En su provocadora conjunción de iconografías atroces –militaristas, fundamentalistas, desquiciadas– y gestos liberadores –sexuales, humorísticos, conciliadores–, Miñarro invoca los males más inquietantes del mundo actual para someterlos a un tratamiento de shock afianzado en el dandismo. En Love Me Not, Ingrid García-Jonsson es una Salomé andrógina, Oliver Laxe un Yokanaan místico, y Frances Orella y Lola Dueñas unas versiones esperpénticas de Antipas y Herodías. Un cóctel molotov de deseo y poder que Miñarro convierte en su particular circo de la carne y la sangre, un espectáculo sublevado que bebe del cine norteamericano (el melodrama de Douglas Sirk) para lanzarse, en plan kamikaze, por las pendientes verticales de la modernidad. Manu Yáñez

Programación completa del Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes

¿Sería posible imaginar la estética hipnótica y sensual de Sofia Coppola sin el precedente totémico de esta película del australiano Peter Weir, a quien Filmoteca Española dedica una completa retrospectiva? Entregada a la subjetividad trastocada de un grupo de jovencitas que parecen caer bajo el embrujo de una misteriosa fuerza de la naturaleza, Picnic en Hanging Rock es uno de los grandes films/trance de la historia de cine. Basada en la más famosa de las novelas de la escritora australiana Joan Lindsay, que al mismo tiempo se basó en una historia supuestamente real, la película nos lleva hasta el día de San Valentín de 1900, en la Australia Meridional, donde un grupo de alumnas de un colegio victoriano va de excursión a la región montañosa de Hanging Rock. Una sucesión de fenómenos sobrenaturales irán produciéndose a lo largo de ese día que parecía que iba a ser perfecto y tranquilo: el tiempo se detiene, hay pérdidas de conocimiento, desaparecen alumnas y maestras… La narrativa se enrarece hasta límites insospechados y el cine exhibe toda su magia. Manu Yáñez

Programación completa de Filmoteca Española

Cuando fuimos brujas se inspira libremente en el cuento Del enebro de los hermanos Grimm, donde una madrastra asesina al hijo de su marido porque siente celos de él. Por su parte, el film, la ópera prima de la cineasta estadounidense Nietzchka Keene, traza un retrato íntimo de dos mujeres que, para huir de la hoguera tras ser acusadas de brujería, deben adaptarse en su entorno y sobrevivir. Bañada por una fotografía etérea en blanco y negro, que remite al cine de Dreyer o Bergman, la película parece ir a la par con las teorías de Jules Michelet acerca de la figura de la bruja como representante de una rebelión contra toda norma establecida. Rodada en los paisajes volcánicos de Islandia entre 1986-1987, Cuando fuimos brujas brinda a la cantante Björk, que entonces cuenta 20 años, su primer papel en el cine. Por razones de financiación, la película no se proyectó en una sala hasta 1991, en el marco del Festival de Sundance. Mientras tanto, Björk había logrado convertirse en una estrella mundial de la música con su grupo The Sugarcubes. Tras el festival, la película permaneció invisible durante casi treinta años. Ahora, se estrena la versión restaurada en 4K por el Wisconsin Center for Film & Theater Research, la Film Foundation y la George Lucas Family Foundation.

Programación completa del Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes

La Casa Encendida prosigue con el ciclo “Bajo la influencia de David Lynch” con la presentación de la primera película del joven cineasta turco Burak Çevik. Un neonoir extrañada que es también un cuento de vampiros que transcurre en un universo distópico, habitado por seres extraordinarios. La protagonista de The Pillar of Salt se embarca en una odisea lynchiana, construida a partir de imágenes de episodios bíblicos y mitos del folclore turco, para descifrar la extraña desaparición de su hermana. Çevik, nacido en Estambul en 1993, es un productor, guionista, director y montador turco. En 2017 produjo el largometraje del cineasta turco Gürcan Keltek Meteorlar, seleccionado en el Festival de Locarno. Çevik debutó como director de cine con The Pillar of Salt (2018), y más tarde con Aidiyet (2019). Ambos largometrajes han sido estrenados en la sección Forum en las dos últimas ediciones del Festival de Berlín.

Programación completa de La Casa Encendida

Cuando fuimos brujas se inspira libremente en el cuento Del enebro de los hermanos Grimm, donde una madrastra asesina al hijo de su marido porque siente celos de él. La madrastra esconde minuciosamente dicha muerte y oculta los restos del niño en la comida que sirve a su esposo. Pero su hija, a escondidas, ha recuperado los huesos de su hermano y los entierra bajo un enebro. Por su parte, Cuando fuimos brujas, la ópera prima de la cineasta estadounidense Nietzchka Keene, traza un retrato íntimo de dos mujeres que, para huir de la hoguera tras ser acusadas de brujería, deben adaptarse en su entorno y sobrevivir. Bañada por una fotografía etérea en blanco y negro, que remite al cine de Dreyer o Bergman, la película parece ir a la par con las teorías de Jules Michelet acerca de la figura de la bruja como representante de una rebelión contra toda norma establecida. Rodada en los paisajes volcánicos de Islandia entre 1986-1987, Cuando fuimos brujas brinda a la cantante Björk, que entonces cuenta 20 años, su primer papel en el cine. Por razones de financiación, la película no se proyectó en una sala hasta 1991, en el marco del Festival de Sundance. Mientras tanto, Björk había logrado convertirse en una estrella mundial de la música con su grupo The Sugarcubes. Tras el festival, la película permaneció invisible durante casi treinta años. Ahora, se estrena la versión restaurada en 4K por el Wisconsin Center for Film & Theater Research, la Film Foundation y la George Lucas Family Foundation.

Programación completa de la sala Zumzeig

Planteada como un diálogo orgánico entre la contención y el estallido, entre unas emociones interiorizadas y una naturaleza indómita, O que arde cuenta la historia de Amador (Amador Arias), un hombre que regresa al hogar familiar tras cumplir condena por una acusación de piromanía. De vuelta en casa, el lacónico Amador convive con su madre, Benedicta (Benedicta Sanchez Vila), con quien mantiene un vínculo tan férreo como silente. En O que arde se habla de cómo el saber campesino tiene más que ver con la tradición que con el aprendizaje académico; se apunta que toda intrusión en lo rural acarrea un precio, incluso cuando es bienintencionada; o se defiende que el misterio de la naturaleza está ahí para ser gozado, no para ser entendido. Atrincherado en un escritura poética y sin caer en el didactismo, Laxe encuentra en el poderío gestual de sus actores (no profesionales) y en la fuerza indomable de las llamas (de unos incendios reales) una verdad trascendente, que ilustra la dimensión trágica de la destrucción de una forma de vida, pero también el vigor de proporciones heroicas de aquellos que se resisten a la extinción.

Programación completa del cine Maldà

Mara y Jo (encarnadas por Tallie Medel y Norma Kuhling, ambas igualmente tocadas por la varita de la naturalidad más encantadora) son las dos patas con las que avanza un film con la mirada puesta irónicamente en el pasado. La elección del propio título nos remite a una edad (aquella en la que se conocieron las protagonistas) superada, literalmente, desde los títulos de crédito iniciales. Cuando empieza la acción, Jo y Mara han quemado ya la etapa universitaria, y pelean en unas trincheras de la cotidianidad dominadas por la precariedad laboral y la inestabilidad romántica. Algunos han estado ahí; otros, ahí seguimos. Por su parte, Sallitt invoca con sabiduría la identificación del espectador. Convoca una suerte de memoria universal a través de la escritura, aunque también mediante una puesta en escena busca desentrañar muy sutilmente los mecanismos de la memoria. Tanto en los interiores como en los exteriores, Fourteen se articula a través del gesto esencial de “llenar el encuadre vacío”. Una escaleras, una terraza, una sala de estar, una estación de tren… Todos estos espacios son ocupados, de repente, por personas. Manda la lógica de la memoria, siempre más considerada con lugares, antes que con las caras. Víctor Esquirol

Programación completa de la sala Zumzeig

La obra cumbre de la ciencia ficción de los ochenta aterriza en el Phenomena. Blade Runner, primera adaptación de la novela Sueñan los androides con ovejas eléctricas a cargo de un prometedor Ridley Scott post-Alien, narra la aventurada vida de Rick Deckhard (Harrison Frod), un ex cazador de Nexus 6 forzado a ejercer su peligrosa profesión una vez más para exterminar la nueva ola de maligna inteligencia artificial que han migrado a la Tierra. Los autómatas de Scott, más peligrosos y mortíferos que los robots castizos de Ion de Sosa en Sueñan los androides, han sido modelados a imagen y semejanza humana. Sin embargo su perfeccionamiento físico y mental ha supuesto la superioridad de la raza de sus creadores. La fusión genérica, el discurso con resonancias nietzscheanas y la lóbrega puesta en escena convierten el filme en el paradigma del género syfy. Sobre todo por su estética tenebrista y apocalíptica, que simula una futurista ciudad Los Ángeles, invadida por una oscuridad permanente, que sólo el destello de los neones y las chimeneas de fuego se atreven a desafiarla cromáticamente.

Programación completa de la sala Phenomena

La nueva película del francés Robert Guédiguian explicita uno de los temas que recorren soterradamente toda su obra: la inscripción del paso del tiempo en el rostro de su troupe de actores. Observada en su conjunto, la trayectoria del director de Marius y Jeannette funciona como un retablo a gran escala de la revelación de la condición “embalsamadora” del cine, inmisericorde ajustador de cuentas temporales. La casa junto al mar presenta como premisa argumental la reunión de tres hermanos (Ariane Ascaride, Jean-Pierre Darroussin y Gérard Meylan) que acuden a un pequeño pueblo costero –escenario de sus veraneos de infancia y juventud– debido a la enfermedad del padre. Sin embargo, la trama deviene en una simple excusa para vehicular la consciencia de la cercanía de la vejez. En un momento de gran belleza, Guédiguian recupera una vieja filmación (procedente del rodaje de la película Ki lo sa?, estrenada en 1986) en la que los protagonistas retozan alegre y juvenilmente en las aguas del puerto. Y luego, el veterano cineasta francés fija, en planos detalles repartidos por la película, varios memento mori: un cigarro a punto de apagarse, unos peces agonizando, las olas del mar. Un sorprendente homenaje a la obra del japonés Yasujirō Ozu que evoca el poder de conmoción de la sugerencia. Manu Yáñez

Programación completa de RADAR (Oviedo)

En el marco del Foco que Tabakalera dedica al Madrassa Collective, se proyecta Fordlandia Malaise, una película sobre la memoria y el presente de Fordlandia, la colonia industrial fundada por Henry Ford en la selva amazónica en 1928. Su objetivo era romper el monopolio británico del caucho y producir este material en Brasil para su producción de automóviles en el Estados Unidos. Hoy, los restos de la construcción dan testimonio de la magnitud del fracaso de este esfuerzo neocolonialista que duró menos de una década. Hoy en día, Fordlandia es un espacio suspendido en el tiempo, entre los siglos XX y XXI, entre la utopía y la distopía, entre la visibilidad y la invisibilidad: los edificios arquitectónicos de acero, vidrio y mampostería siguen usándose, mientras que no queda rastro de la la vida indígena en el suelo. Dando voz a los habitantes que reclaman el derecho de escribir su propia historia y rechazan la etiqueta del pueblo fantasma, Fordlandia Malaise combina imágenes de archivo, imágenes de drones, cuentos y narraciones, mitos y canciones.

Programación completa de Tabakalera